CAFE LA MÁQUINA

2011-01-21T11:06:00.001-08:00

2010-12-23T14:36:00.000-08:00

Tierra

2010-12-01T23:41:00.001-08:00

tierra
de Artes Escenicas Mexicanas, el Martes, 30 de noviembre de 2010 a las 17:25

En la otra nave se presenta está obra cumpliendo cerca de 40 funciones en distintos foros incluyendo cárceles.
El año pasado se presentó en el 4to. Encuentro de las Artes Escénicas.
Tres historias que refieren a la memoria, nos enternecen, nos hacen reír y pensar, este montaje va a lo sencillo y lo cotidiano, un héroe anónimo de la revolución, un inmigrante y una señora de la calle, los tres actores se apoyan en contar la historia, que en la obra se van entrelazando sin encontrarse.
Diversos objetos y la intervención del público en varias escenas lo hacen muy interesante historia o conjunto, 3 excelentes actuaciones y varios personajes e inclusive más allá dela obra, reflexiones en torno a nosotros, historias y formas de ser.
Una felicitación a Sandra Garibaldi, Pedro Hernández y Roberto Campos con la dirección de Vladimir Bojórquez y la colaboración creativa de Juliana Faesler.
Esta obra se presenta en la Otra Nave del Parque México en Avenida México esquina con Sonora, los lunes a las 20.30 horas.
Esther Zychlinski y Zvi Ziman
Noviembre 30 del 2010

2010-11-24T08:11:00.000-08:00

Invitación a Taller de Montaje

2010-11-06T20:20:00.001-07:00

Taller de Montaje

Impartido por Juliana Faesler y talleristas invitados por confirmar.

La Máquina de Teatro convoca a los actores y bailarines interesados en las prácticas contemporáneas de la escena a un taller de montaje alrededor del texto dramático: “El Principe de Homburg” de Heinrich Von Kleits.

Se propone una primera fase de taller y exploración y una segunda fase de montaje.

Taller y líneas de investigación

Aproximación a la puesta en escena a partir de la organización de sentido, administración y potenciación de signos escénicos.

Contenidos generales

· Los lenguajes que intervienen en la puesta en escena. Lo plástico, lo sonoro y lo dramatúrgico.

Plan de trabajo

Primera fase: Taller de exploración

· Entrenamiento fisico para el actor // bailarín.

· Puntos de vista y trabajo con los objetos

· Trabajo de análisis de texto en activo. Desglose. Plano analítico, kinético y poético. Primeras impresiones plásticas / “lisibles” de un texto: tensión, dirección, ritmo, color, textura.

Las fechas son:

18, 19 y 20 // 25, 26 y 27 de Noviembre

9 10 y 11 // 16, 17 y 18 de Diciembre

de 17 a 21 hrs

Segunda fase: Taller de montaje

· Problemáticas de la escena contemporánea. Necesidades dramáticas. Búsqueda de ejes conceptuales para llevar adelante la puesta en escena dentro del marco de creación colectiva.

Las fechas son:

Enero 2011 de lunes a viernes de 17 a 21 hrs.

Lugar: Taller de La Máquina de Teatro. En Coyoacán.

Costo del taller exploración (primera fase) $1,000.00 a pagar iniciando el taller.

Cupo limitado.

Requerimientos:

Actores y bailarines interesados en las prácticas contemporáneas de la escena.

Ser egresado de alguna de las escuelas de educación artística.

Enviar una carta de motivos por los que quieres tomar el taller, no mayor a 10 líneas a:

contacto@lamáquinadeteatro.com

pasen la voz, gracias!

Moctezuma II / La guerra sucia

2009-07-14T21:19:00.001-07:00

La guerra sucia, un puente entre el pasado, presente y futuro indígena

Moctezuma201En el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris se estrenó el espectáculo multidisciplinario Moctezuma II. La guerra sucia, segunda parte de la Trilogía mexicana, que desde 2007 se ha planteado la compañía teatral La Máquina de Teatro para desmitificar y explorar tres figuras fundamentales de la cultura indígena de nuestro país: Nezahualcóyotl, Moctezuma Xocoyotzin y la Malinche.

En este montaje se hace uso de recursos operísticos, coreográficos, musicales y teatrales, para contar una cruda y reflexiva visión sobre el proceso de conquista de Tenochtitlán y asomarse a algunos pasajes oscuros de la memoria histórica nacional.

Se presentan tres narraciones que se van hilvanando durante las dos horas y media que dura la función y que permiten crear un puente entre el pasado, presente y futuro indígena, sobre su condición e integración a un México que celebra su folclore pero niega su existencia actual.

En la obra se retoman fragmentos de la ópera Montezuma, de Carl Heinrich Graun, compositor alemán que planteó en su obra —estrenada en 1755— un escenario en el que mientras los forasteros llegaban al nuevo continente, el emperador Xocoyotzin planeaba una boda con Eupaforice, mujer que después —en el drama cantado en italiano— se convertiría en la esposa de Hernán Cortés.

También se bosquejan algunas versiones sobre los acontecimientos que se dieron en las primeras décadas del siglo XVI; los ocho presagios funestos de la caída de Tenochtitlán, la rapiña por parte de los soldados peninsulares, la pedrada que recibió Moctezuma y la aparición de su cuerpo sin vida en un arroyo.

Además, se presentan a los hijos del jaguar, la serpiente, las flores, el campo, el maíz y el chile: los indígenas de las 61 etnias sobrevivientes que mantienen un movimiento de resistencia y una lucha diaria para lograr respeto a su origen y justicia ante la guerra sucia que siempre han vivido, en la que les juegan chueco, pierden sus tierras, sus costumbres.

Las cantantes de ópera Lorena Glinz, Verónica Alexanderson y Karla Muñoz interpretan algunas arias de Montezuma, mientras Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Natyeli Flores, Roldán Ramírez y Horacio García Rojas son los actores que barren el escenario, sacuden las telarañas del olvido y exigen con un grito de rebelión una verdadera inclusión social para los indígenas, dejando de lado las someras reivindicaciones.

Moctezuma202Diseñado por Juliana Faesler y Edyta Rzewuska, en el espacio limitado en los lados por seis paneles trapezoidales que asemejan las paredes de los centros ceremoniales mexicas y junto a ellos, dos escaleras piramidales, se presenta un relato sobre la dignidad y la búsqueda de una verdadera justicia, por la que durante más de 500 años han luchado las comunidades indígenas.

Bajo la batuta de José Areán —quien también toca en escena el clavicordio—, el ensamble invitado para este montaje está ubicado al fondo del escenario, pero los músicos se unen al desarrollo dramático de la obra, no sólo con sus instrumentos sino también con su interacción en algunos momentos.

Rzewuska, también la encargada del vestuario, atavía con overoles blancos a los actores y les cubre un perfil del cuerpo con trajes llenos de plumas y tocados que estilizan las siluetas de la cara de los personajes, lo cual remite a las imágenes ceremoniales y a la estética de los códices mesoamericanos.

Juliana Faesler —directora de obras como Sueño de una noche de verano, Divina justicia y ¿Qué oyes Orestes?- presenta un teatro que restriega al público una historia no contada, en la que la colonización, la encomienda, la evangelización y las castas son parte del contexto en el que se reúnen —en el lugar donde ahora están las calles de Pino Suárez y República de El Salvador, de la ciudad de México— un emperador mexica y un militar español.

Coproducción del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, Moctezuma II. La guerra sucia se presenta hasta el 30 de agosto, los sábados y domingos a las 20:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en Donceles 36, Centro Histórico.

ANTANTROPIA INTERFERENCIAS ESCENICAS DEL CUERPO IMAGEN

2009-06-29T19:40:00.001-07:00

ANTROPIA
INTERFERENCIAS ESCENICAS DEL CUERPO IMAGEN

ULTIMA FUNCION
1 DE JULIO

de Jessica Sandoval y Pamela Cuadros
con:Abigail Soqui, Renata Wimer y Jessica Sandoval
dirección: Juliana Faesler

…Antropía es una experiencia en el campo de la danza y los medios
electrónicos, Es un experimento refrescante que reconforta… esta
creación es una mirada al interior de otra manera de concebir el arte
y la vida misma… Rosario Manzanos (revista proceso, 07/06/09)

…Antropía es una puesta en escena que revela un importante crecimiento
artístico de Jessica Sandoval ahora como directora de escena y
coreógrafa,…Hayde Lachino (tiempo libre 11/06/09)

…Si a la imaginación sumamos: claridad en el discurso estético,
compromiso en la interpretación y una acertada dirección, el resultado
es una producción fascinante, ingeniosa, cargada de poética pero con
unas pinceladas de humor corrosivo que en más de una ocasión arranca
una sonrisa cómplice, ese es el caso de Antropía. Interferencias
Escénicas del Cuerpo-Imagen. Susana Fernandez (interescena 05/06/09)

ULTIMA FUNCION
1 DE JULIO

MIERCOLES 20 hrs.

FORO SOR JUANA INES DE LA CRUZ , centro cultural universitario.
Costo: $80 (descuentos habituales)

"Sueño de una noche de verano" Ensayo pre general

2009-06-27T08:30:00.000-07:00

2009-06-25T07:38:00.000-07:00

Sueño de una noche de verano

2009-04-03T22:49:00.000-07:00

La Universidad Nacional Autónoma de México
a través de las Direcciones de Música, Danza y Teatro C O N V O C A N al proceso de selección del elenco para la puesta en escena
Sueño de una noche de verano
de William Shakespeare
Dirección: Juliana Faesler, Coreografía: Alberto de León
Que tendrá una temporada en la Sala Miguel Covarrubias del 18 al 28 de junio del presente año.

La presente convocatoria está dirigida a todos aquellos creadores escénicos (actores y bailarines) interesados en las prácticas contemporáneas de la escena, en particular en la investigación y la creación transdisciplinaria y en la investigación de diferentes abordajes para la creación teatral, interesados en participar en el montaje, sin distinciones de genero o edad.

Se busca conformar el elenco completo de la obra por lo cual los interesados deberán presentarse para audicionar para cualquiera de los papeles.
1- Los aspirantes deberán presentar una escena de no más de 3 minutos con una propuesta de voz y movimiento . (No forzosamente tiene ser parte de la obra a trabajar).
2- Cantar algo.
-Se hará una preselección y posteriormente se trabajará en un taller a lo largo de tres días al termino de las cuales se definirá el elenco (las sesiones de trabajo serán los días 6, 7 y 8 de abril en el Salón de Ensayos de la Dirección de Danza)
-Los aspirantes deberán tener disponibilidad de horarios para ensayos y montaje en sesiones de 4 horas de lunes a sábados a partir de la fecha de la audición.
Es necesario mandar una solicitud de audición al mail:
sveranoshakespeare@gmail.com

La solicitud tiene que tener:

Nombre completo, edad, sexo y curriculum de no más de una cuartilla a doble espacio.

- Una foto reciente que no pese más de 400kb y con buena resolución.
Los interesados deberán presentarse en el Salón de Ensayos
de la Dirección de Danza del Centro Cultural Universitario, Insurgentes Sur 3000,
el día 3 de abril a las 9:00 hrs.
Ciudad de México 25 de marzo 2009.

CARTA DE APOYO // Que se legalice en México el matrimonio entre personas del mismo sexo.

2009-01-11T09:19:00.000-08:00

Querid@s amig@s,

les pedimos que lean y firmen esta carta si estan de acuerdo. en que se legalice en México el matrimonio entre personas del mismo sexo. Como alguien dijo: "Todos tenemos derecho a ser infelices". Saludos de Jesusa y Liliana

Al gobierno del Distrito Federal

A la IV Legislatura de la Asamblea Legislativa del Distrito Federal

A la sociedad mexicana

El reconocimiento y otorgamiento de derechos de las poblaciones LGBTI en México, inició con la entrada en vigor de la Ley de Sociedad de Convivencia en el Distrito Federal aprobada en noviembre del 2006, el paso siguiente es legislar a favor del matrimonio entre personas del mismo sexo, por que es la figura jurídica del derecho mexicano que reconoce derechos plenos de igualdad, libertad y seguridad jurídica para los contrayentes.

Exigimos a la ALDF que apruebe la reforma al código civil del D.F., que reconoce el matrimonio entre personas del mismo sexo.

Todos los días y todos los tiempos son propicios para hacer frente a la desigualdad, para legislar y revertir el rezago social, para implementar políticas transversales que hagan valer el pleno ejercicio de los derechos humanos y terminar con el clasismo, el racismo, la homofobia y todas las formas de discriminación.

La sociedad democrática mexicana debe seguir avanzando por la lucha de las libertades, por ampliar el marco del estado laico, para procurar el mayor bienestar social y para crear una cultura distinta entre ciudadanos y gobernantes, por eso convocamos a ciudadanos, organizaciones y personas en general a manifestar con nosotros su apoyo a estas reformas.

México, Distrito Federal, diciembre 2008

Responsable de la Publicación Jaime LOPEZ VELA
Enviar firmas de apoyo a antinomoi@hotmail.com

Querida Patricia Ariza Por: William Ospina

2009-01-11T09:18:00.001-08:00

Opinión| 27 Dic 2008 - 10:00 pm

Querida Patricia Ariza
Por: William Ospina

NOS CONOCEMOS HACE MUCHO. HE compartido contigo el sueño de un país mejor desde hace muchísimo tiempo. Siempre te he admirado como dramaturga, como actriz, como directora de teatro y también como promotora cultural. Tu esfuerzo infatigable de artista empeñada en que el arte no sea privilegio de unas élites sino el derecho de todos los ciudadanos.
Aprecio tu labor, admiro tu inteligencia, comparto tu sensibilidad, y me sorprendo siempre no sólo con tu capacidad de trabajo sino con la abundancia de proyectos que emprendes, siempre marcados por el compromiso, siempre solidarios y lúcidos. Son tantas las tertulias literarias, tantas las reuniones de acción y de pensamiento que hemos compartido, que cualquier cosa que se diga de ti tendría que decirse de todos los amigos que hace años te acompañamos. Hace poco tus amigos vivimos la alegría adicional de saber que acababas de recibir el Premio Nacional de Poesía, porque además de dedicar los días a tantas creaciones teatrales, te queda tiempo e inspiración para escuchar la voz de las musas.
Acabo de enterarme de que un absurdo montaje policial te acusa de ser Nadaísta, y he sonreído con envidia porque siempre soñé con que me acusaran de ese delito y nunca he podido lograrlo. Yo era un niño aún cuando Gonzalo Arango salió a alborotar el avispero de nuestra vida aldeana con ese proyecto en parte literario, en parte social y en parte religioso, una alegre e irreverente conspiración de amigos en tiempos en que los partidos políticos de Colombia sólo predicaban el odio al vecino y el degüello de toda disidencia. Era un honor entonces ser Nadaísta, y lo sigue siendo ahora, cuando ya el Nadaísmo como escuela es un recuerdo de tiempos más tranquilos, cuando al país contra el cual protestaban esos amigos se lo llevó el viento, para reemplazarlo por un país más terrible y siniestro.
Tengo entendido que el prontuario que te han levantado también te acusa de ser hippie. Ese anglicismo está un poco en desuso, pero todavía nos recuerda la capacidad de ingenua disidencia que tuvo una generación. Con el paso del tiempo los hippies murieron, o cambiaron el gusto de las hierbas místicas por las drogas industriales, la prédica del amor libre por los mercados del sexo, y el retorno a la naturaleza por la búsqueda de propiedad territorial. Pero ni siquiera en los tiempos en que el hippismo se había extendido por el planeta como una hierba silvestre se le ocurrió a nadie pensar que ser hippie fuera un crimen y ni siquiera una contravención. De modo que al sutil personaje que te arma ese proceso por ser hippie se le puede negar todo menos su originalidad. Cuántos hippies añosos, nostálgicos de sus tiempos de flores y psicodelia, no habrán sentido como un viento renovador esta noticia que les devuelve no sólo su existencia sino su peligrosidad. Yo alcancé a vivir entre hippies y nunca sentí la inspiración suficiente para formar parte de sus comunas, pero todavía ese movimiento y sus sueños “dicta veneración a mi pecho” cuando lo comparo con todas las claudicaciones y las acomodaciones que vinieron después.
No sé, todo esto me parece estimulante, es como si volvieran los ociosos e inspirados años sesenta. Lo primero que ha logrado el montaje policial es despertar al adormecido y disperso sector cultural de nuestro país y del continente, y moverlo a cerrar un círculo protector alrededor tuyo y de tus compañeros. Y no es para menos, porque aunque sea torpe y absurdo el cuento que te han montado, no significa que no sea peligroso, en un país donde tanta gente se ha visto arrojada al exilio por sus opiniones, o ha sido acallada con amenazas o aniquilada por sospechas.
Colombia necesita sobre todo gentes como tú y como tu aliado en gestas culturales y gran maestro de la escena Santiago García, cuyo cumpleaños queremos celebrar muchos días. Ustedes han sostenido durante décadas la Corporación Colombiana de Teatro, el teatro La Candelaria, y el Festival de Teatro Alternativo. Pero sobre todo han mantenido durante décadas en nuestro país el arte unido al espíritu crítico, la lucidez unida a la inspiración, la estética unida a la entraña popular, y el oficio de decir cosas bellas que son también profundamente necesarias.
Esos exabruptos, esas calumnias, esas campañas de hostigamiento, no dejan de ser el homenaje que la barbarie le rinde a la inteligencia, que los inquisidores les rinden a los espíritus libres, y que las mentes estériles les rinden a los seres creadores. No lograrán detener al espíritu vigoroso, decididamente pacífico, hondamente comprometido con la humanidad y con sus más altos sueños del que tú formas parte. No permitiremos que esas telarañas mezquinas logren vulnerar la generosidad de tu esfuerzo. Y estamos listos a demostrar ante quien sea que el arte, la creación, la inteligencia, la cultura, no son fuerzas destructivas, no son fuerzas negativas, son lo contrario de la enfermedad que sigue agobiando a Colombia. Esa enfermedad que en realidad se llama odio, inautenticidad, clasismo, autoritarismo, y exclusión.
También yo admiro a los Nadaístas, y recuerdo con aprecio a los hippies, y simpatizo con el Polo Democrático. Creo en el trabajo creador, en la inteligencia, en el arte. Creo en la necesidad de construir un país más humano, más generoso y más solidario. Y creo, como Carlos Gaviria, en la necesidad de construir un país decente. Si eso es un crimen, que empiecen a procesarnos a todos.

William Ospina
William Ospina Literatura

Yo, Patricia Ariza...

2009-01-11T09:17:00.001-08:00

Yo, Patricia Ariza, luego de leer el artículo de El Espectador del día 21 de Diciembre, en la página judicial, donde se refieren a un expediente policial según el cuál yo podría estar usando el arte para la subversión, quiero expresar a la opinión pública, pero sobretodo a mis amigos y amigas, que estoy asombrada de semejante montaje tan mentiroso como infame.

Reitero que soy artista, dramaturga, miembro del Polo Democrático Alternativo y del movimiento Social de Mujeres. Que hago parte de la oposición y ejerzo con alegría el derecho inalienable a crear en el arte colectivamente y de manera solitaria en la poesía.

Que no me avergüenzo de haber sido hippy y nadaista porque hacía parte de dos importantes movimientos libertarios y culturales. Que he celebrado la vida y a la vez ejercido el derecho a no estar de acuerdo. Que nada ni nadie me hará renunciar a ese derecho porque en él reside el sentido mismo de la existencia.

Que estoy en desacuerdo con este gobierno porque lo considero autoritario como el que más. Que lucho por el Intercambio Humanitario, aunque no le guste al presidente y que suscribí con las otras y los otros Colombianos por la Paz, el comunicado por el acuerdo humanitario y la liberación de secuestrados.

Agradezco a todas las personas, artistas, científicos y académicos, a las instituciones culturales, a los grupos de teatro y a mi familia, las valerosas, afectuosas y copiosas manifestaciones de reconocimiento, afecto y solidaridad.

Gracias a esos mensajes mantengo el ánimo y la convicción en lo que creo, intactos.

PATRICIA ARIZA

Ayuda Urgente para David Psalmon -

2009-01-11T09:13:00.000-08:00

Teatro sin paredes

Queridos amigos de la comunidad teatral y artística en general.

El director de escena de origen francés, David Psalmon, tuvo un accidente muy grave en Campeche el dia 28 de noviembre, y necesita del apoyo y solidaridad de todos nosotros para salir de este trance lo mejor posible. Sufre de una fractura de trecer grado de la primera vértebra cervical (C1) con riesgo de parálisis, y despues de 6 semanas de tratamiento alternativo, necesita ser operado lo mas pronto posible. Es una operacion extremadamente delicada y muy costosa.

Lo que hace falta es dinero para cubrir el elevadísimo costo de la operación y los gastos médicos (al rededor de 300,000 pesos).

También ideas creativas y eficaces para recaudación,

sugerencias de posibles instituciones contribuyentes a la causa

y un gran llamado a la conciencia e identidad del gremio.

Esta es una oportunidad para todos de ayudar a un compañero que de verdad está en apuros, un hombre que ama nuestro país y que sin duda, haría lo mismo por nosotros si estuviéramos en su caso.

Baste decir que hace poco hizo un esfuerzo notable por organizar y hacer un llamado a la comunidad teatral y artística en general para convocar a una primera reunión, a la cual le siguieron varias más, dando como resultado el surgimiento del Foro de Creadores Escénicos Independientes, FOCRESI, entre otras cosas, para conseguir proteger los derechos fundamentales de los creadores escénicos en materia de seguridad médica y bienestar social.

Ahora él mismo sufre las consecuencias del desamparo en el que vivimos los que hacemos teatro, y el hecho debería no sólo llamarnos a la solidaridad con su caso, sino también a la reflexión de lo que ocurre al respecto en nuestro gremio como creadores escénicos.

EL NÚMERO DE CUENTA PARA DONACIONES ES:

1432814544

en BANCOMER

a nombre de MADELEINE SIERRA , esposa de David.

Aquellos que contribuyan, por favor informen el día y la cantidad para tener un registro de los recibos y llevar claridad en las cuentas.

Para comunicar estos datos y para informes en general, pueden dirigirse al siguiente mail:

teatrosinparedes@yahoo.com .mx

o con Blanca Forzán

044 55 32 38 27 81

DE ANTEMANO, GRACIAS POR EL APOYO.

Cualquier ayuda y cooperación es bienvenida.

TEATRO EN MÉXICO EN 2008 // Gonzalo Valdés Medellín

2009-01-11T09:10:00.000-08:00

TEATRO EN MÉXICO EN 2008
Gonzalo Valdés Medellín
2008 fue un año azaroso para el teatro en México. Desde la defunción de varios de nuestros más destacados escritores y hombres de teatro, hasta la presencia internacional de protagonistas del ejercicio escénico del mundo, en México el teatro cobró una preponderancia decisiva tanto en su oferta como en su demanda. Muchísimas obras (que sería imposible eslabonar en este breve espacio) dieron la tónica de que el quehacer teatral (e incluso el dancístico) incide en la reafirmación de que sólo a través del arte –y su reflexión suscinta- podremos salir avante como una sociedad no maniatada a los colapsos del tiempo violento que azotan a nuestro país. Desde el fallecimiento –a finales de 2007- de dos de los protagonistas señeros del teatro mexicano de la segunda mitad del siglo XX, el dramaturgo y poeta Fernando Sánchez Mayáns y el director y maestro Dagoberto Guillaumain, parecían ya correr los advientos que presagiaban la muerte de quien será considerado, por mucho, el patriarca de la dramaturgia nacional: Emilio Carballido, a cuya muerte se sucederían las de Víctor Hugo Rascón Banda, motor de la difusión del teatro mexicano de nuestros días, la del poeta, dramaturgo y actor Alejandro Aura, la del creador del grupo Serendipity Jorge Ramos Zepeda y la del aún muy joven actor Evelio Arias (conocido popularmente como Evelio con V Chica) y Miguel Córcega, maestro, actor, director y protagonista constante de los mejores momentos de nuestra historia escénica… Todos, propositores y forjadores en su momento, tiempo y espacio, de indudables legados para el teatro en México. Cómo olvidar el enorme repertorio del maestro Carballido; las incisivas propuestas de Rascón; la pasión hecha poesía y hecha teatro de Aura o el ejemplo de defensa del género de los títeres de Ramos, o las actuaciones de Evelio Arias en A tu intocable persona (de quien esto redacta), La tarántula Art Noveau de Hugo Argüelles o El viaje superficial de Jorge Ibargüengoitia de quien, justamente este año se celebraron 80 de su natalicio con bombo y platillo, pero sin que las instituciones produjeran algún montaje a la altura de las circunstancias. Pero no obstante esta oleada de pérdidas lamentables para nuestro ámbito teatral, el cúmulo de propuestas de orden internacional no fue débil, si se toma en cuenta la visita a México del legendario Alexandro Jodorowski con la puesta de Sueño sin fin (por desgracia nada memorable)., dentro de las actividades del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, en el que también fue posible ver un espectáculo profundo, hermoso y estremecedor, logrado con la poética propia del teatro de la crueldad de Artaud: Matadero. 6 del argentino Emilio García Whebbi y en donde brillaron con luz propia no sólo la destreza del creador y los textos artaudianos (aliados a la denuncia nunca lo suficientemente saciada) de las muertas de Juárez, sino las actuaciones de Héctor Martínez Tamez, en una memorable interpretación al lado de Lidia Margules. Gael García Bernal subió a escena con Together, basada en la película homónima dirigida en 2000 por Lukas Moodysson, con la compañía Vesturport Theatre Group, de Islandia, arremetiendo con una actuación sobresaliente. Tirant lo Blanc fue quizá uno de los montajes que, a nivel internacional dejaron huella en este año, con el grupo catalán Teatre Romea que también trajo el espléndido espectáculo Bartrian(n)a: Agustí Bartra: entre el amor y el exilio (para celebrar el Centenario de Bartra) así como La Plaza del Diamante con Ana Belén, conmemoración también del Centenario de Mercé Rodoreda; y Deutsches Theater Berlín presentó una polémcia versión La Orestiada de Esquilo, en el marco del 36 Festival Internacional Cervantino. Cabe también recordar la presencia de Peter Brook con su puesta en escena de El gran inquisidor y la de Eugenio Barba. Inmejorable La balada de Lucy Jordan de Frabrice Melquiot dirigida por Guy Delamotte. Como se ve, la apuesta internacional fue patente y cuantiosa en nuestro país en 2008, al grado que recientemente se ha estrenado en El gran canario del estadunidense Zach Helms, con las actuaciones de Diego Luna, Daniel Giménez Cacho y Bruno Bichir, bajo la dirección de John Malkovich. Once upon a time in west asphixia (o los hijos mirando al infierno) es la obra de una nueva autora hispana, Angélica Lidell, que fue dirigida con tino por Alonso Barrera. Y culminó la temporada de Pájaro negro, adaptación, actuación y dirección de Humberto Zurita a la obra del dramaturgo escocés David Harrower, con la actuación de Kate del Castillo. Concluyó la magnífica Susana Alexander su puesta de Cómo envejecer con Gracia, de Mayo Simon, junto a Blanca Sánchez. Javier Velázquez celebró 25 años de su monólogo El hombre de la rata. Y doña Teresa Selma prosiguió con La loca de Bouchot y La muerte burla burlando. Hombre tenía que ser escrita, actuada y dirigida por Thelma Dorantes retornó a nuestros escenarios, con la participación de Mario Ochoa., mientras Roberto D’Amico estrenó El rey, homenaje a José Alfredo Jiménez.. Fernando Martínez Monroy vio puesto su monólogo Asesinada por la vida: Frida dirigido por Marcial Salinas. Sergio de Bustamante se inspiró en El canto del cisne de Chéjov y ecribió La máscara del actor, dirigida por Josafat Luna y Héctor Martinez Tamez estrenó su Pastorela de los 7 pecados capitales. Se rindieron homenajes a Reymaldo Carballido, José Solé y Hugo Argüelles. Entre las obras de la dramaturgia nacional cabe mencionar los estrenos de La estación escrita y dirigida por Fernando de Ita. Disforia de Noé Morales Muñoz, dirigida por Edén Coronado. Y también de Morales Muñoz: Los prohombres bajo la dirección de Ginés Cruz. Esteban Castellanos continuó con su aventura de Los niños perdidos y estrenó Benito antes de Juárez, texto de Edgar Chías quien continuó con Crack o de las cosas sin nombre y Serial. Y Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio prefijó su idea del hombre contemporáneo en su pieza Civilización que él mismo dirigió. Estela Leñero estrenó Verónica en portada; Juliana Faesler prosiguió con su proyecto Nezahualcóyotl y durante la VI Muestra Nacional de Dramaturgia en Querétaro los talentos dramatúrgicos de Daniel Serrano con El carbón en la boca de Porcia y Conchi León con Todo lo que encontré en el agua signaron rutas de riqueza explorativa para el teatro mexicano de nuestros días. En el teatro para niños fue apreciable el esfuerzo de Luis Martín Solís con La legión de los enanos. No faltaron las obras poco logradas y entre ellas Rashid 9/11 de Jaime Chabaud se llevó la peor nota de todas, dirigida por Raúl Quintanilla. Algo similar ocurriría con La hija de Rapaccini de Octavio Paz que montó sin brío alguno Antonio Castro; o La vida es sueño de Calderón dirigida por Pedro Salazar, el sopor por la poesía, la insensibilidad por el teatro. Sin olvidar, claro, las pésimas puestas del D.F. de Carballido o los retruécanos telenoveleros de Pequeñas certezas, libreto de Bárbara Colio. En danza, los jóvenes grupos mexicanos Laleget Danza de Diego Vázquez y A poc A poc de Jaime Camarena, dieron una buena batalla con propuestas nuevas y brillantes. El teatro mexicano en esta ocasión cubrió muchas expectativas, desde luego, la pasión queda patente en cada empresa gozada con lujos o con austeridades. Esperemos que la calidad se imponga en el futuro. Calidad que creadores como David Olguín y Daniel Giménez Cacho con puestas como Persona de Ingmar Bergman. han impulsado la reciente creación de El Milagro, espacio alternativo que ha comenzado a laborar con empresas de calidad y trascendencia estética. Esperamos, así, que se eche a andar próximamente, ya, la Compañía Nacional de Teatro del INBA dirigida por Luis de Tavira. Y mientras tanto, tengamos presentes las palabras del maestro Luis Martín Garza, quien en noviembre pasado recibió la Medalla de Oro Bellas Artes en el marco de la Muestra Nacional por sus aportes al teatro, y quien manifestó: “El teatro sirve para explicarle al pueblo sus crisis. No ha habido una cruzada por la dramaturgia mexicana desde las instituciones. Eso habría que incentivarlo.” Palabras que inciden en que nuestra dramaturgia sigue sin ocupar el lugar preponderante que merece en el panorama total de nuestra cultura y que mientras no se tome conciencia de ello, el teatro que, decía Carballido, define el rostro de las naciones, apenas, si acaso estará definiendo en México un perfil en claroscuro. Esperemos que el 2009 sea mejor. Y de seguro lo será, porque eso sí, hay que aplaudir el talento del teatrista mexicano que es intenso, infatigable e indomeñable. ¡Venturoso 2009!

Domingo 3 de Enero de 2009.
"La Cultura en México" suplemento de Siempre!, presencia de México.

40 años en Manizales

2008-10-23T11:40:00.000-07:00

Milenio Diario // La crítica: espacios
Jaime Chabaud Magnus

40 años en Manizales
Desde un origen en que la filiación cultura y política era el signo predominante, no en vano se nace en 1968, se inicia el recorrido en los albores de los años setenta en que la palabra era urgente, la revolución a la vuelta de la esquina, y el teatro comprometido eran la premisa que subsumía todas las estéticas de la representación”. De esta manera sitúa Octavio Arbeláez, director artístico, los inicios de lo que es una de las fiestas teatrales con más tradición en América Latina: el Festival de Teatro de Manizales, Colombia, que en esta su XXX edición (que arrancó el pasado 26 de septiembre) cumple también cuarenta años de subir y bajar las calles de la accidentada geografía de la ciudad. Lo que en un principio se planteó como un foro para los países latinos del continente, muy pronto abrió sus puertas a la península ibérica, convirtiéndose en referente, medida y aspiración de muchos grupos. Para México –que siempre ha tenido una presencia importante– no es la excepción y este año estamos representados por La Máquina de Teatro con Nezahualcóyotl. Ecuación escénica de memoria y tiempos con texto, escenografía, iluminación y dirección de Juliana Faesler a partir de hoy en el Teatro Universitario de Manizales. Con esta misma obra (producida por la UNAM) Faesler participó este mismo año en el Festival Mayo Teatral de la Habana con una excelente acogida.

Con la participación de Ecuador, Argentina, Chile, España, Cuba, Canadá, Corea, Brasil, Venezuela, México y Colombia, este año el énfasis está puesto en el teatro de calle que arrebata al espacio urbano la certidumbre para contagiar a transeúntes y festivaleros del espíritu lúdico a que invita. El formato del Festival de Manizales ayuda mucho al encuentro e intercambio de fluidos corporales, de invitaciones a otros festivales, de presencia de publicaciones, encuentros académicos, refrendo de viejas amistades y concierto de nuevas. Así, el Teatro San Martín venezolano con el infaltable dramaturgo Gustavo Ott o el investigador Jorge Dubatti o tantos otros entrañables teatreros dejan también su derrama a través de talleres, cursos y conferencias. El XXX Festival de Manizales concluye el próximo domingo.

http://www.milenio.com/mexico/milenio/notaanterior.asp?id=1016856

CITRU presenta XIII DESMONTAJE: NEZAHUALCÓYOTL

2008-08-17T11:45:00.001-07:00

El artista nos muestra sus métodos y procesos de creación.
2 de septiembre / 11:30 a.m.
Teatro El Galeón
Centro Cultural del Bosque.
Reforma y Campo Marten
(atrás de Metro Auditorio)
Entrada libre / Cupo limitado
Confirma tu asistencia al responder este correo y CITRU reserva tu lugar.

Informes
DIFUSIÓN CITRU
Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli
4155 0000 ext. 1074 y 1076

www.cenart.gob.mx/centros/citru/home.htm

Proyecto Desmontajes
El proyecto “Desmontajes, procesos de investigación y creación” comenzó a desarrollarse en México en octubre de 2003, desde el Centro Nacional de Investigación Teatral Rodolfo Usigli (CITRU). Los desmontajes se proponen exponer las estrategias conceptuales y formales de artistas escénicos diversos: actores, performers, directores, etc. Esta propuesta tiene como antecedente fundamental los desmontajes que desde la década de los ochenta han desarrollado teatristas latinoamericanos en Perú, Cuba y Colombia, entre otros países.
Desde el año 2003 hasta la fecha, en México se han realizado los siguientes desmontajes: Galería de moribundos (Estudios y variaciones sobre el mundo beckettiano) del Teatro Línea de Sombra; Salomé o del pretérito imperfecto del Teatro Ojo; Autoconfesión, de Gerardo Trejoluna y Rubén Ortiz; No ser Hamlet, de Ricardo Díaz; La Eva Futura o Frankenstein o el moderno Prometeo, de La Máquina de Teatro; Pieza de Piezas, de Katia Tirado; ¿Dónde estaré esta noche? y La Piel, del Teatro De Ciertos Habitantes. En febrero de 2008 se realizó el noveno desmontaje del ciclo con Lorena Wolffer. Con el apoyo del Festival de México del Centro Histórico y de Artillería Producciones se realizaron los desmontajes del Proyecto El Matadero que desde el 2005 conceptualiza y dirige Emilio García Wehbi en Buenos Aires, y de Testigo de las Ruinas, creación de Mapa Teatro en torno a la demolición y desaparición del Barrio Santa Inés-El Cartucho en Bogotá. En esta ocasión, la invitada es Juliana Faesler con Nezahualcóyotl.

“Para aquellos que lo saben todo, todo lo he olvidado”.
Esquilo

I
Desde 2004 estoy trabajando en lo que he llamado La Trilogía Mexicana. Este proyecto es una auto-provocación para crear tres espectáculos a partir del pensar en la relación que sostenemos a diario todos los mexicanos con el pasado mesoamericano y nuestro presente.

Cada espectáculo propone acercarse a Nezahualcóyotl, Moctezuma y La Malinche, que son los tres, fantasma, presencia, realidad y símbolo, sin un afán frío de revisionismo histórico sino como una forma liberadora de reconocimiento.
II
“La Trilogía Mexicana” es un espacio de intercambio de realidades históricas y ficciones culturales, entre el universo “pretérito” y el “presente”. Es la historia revivida y reinventada, no desde el luto solemne que paraliza, o del sueño mitificador que concibe un pasado casi idílico. Más bien pretende explorar la compleja red de texturas emocionales y sensoriales que aparecen en la vida cotidiana de los mexicanos, cuando nos encontramos frente a la piedra o la pirámide, a la bandera o la palabra en náhuatl, o simplemente frente a esta gran urbe llamada México, que sabemos, descansa sobre otra gran metrópolis: Tenochtitlan, aquella que nos sostiene al caminar.

OPERA // JULY 2008

2008-07-12T08:44:00.001-07:00

Nezahualcóyotl / Ecuación escénica de memoria y tiempos

2008-07-07T12:38:00.000-07:00

AGENDA

2007

Mayo- Junio / Temporada en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Centro Cultural Universitario.
Agosto / Festival de Arte Contemporáneo, León Guanajuato.

2008

Febrero / Funciones en el Teatro Calos Lazo, Facultad de Arquitectura, UNAM.
Abril / Funciones en Cd. Nezahualcóyotl, Parque del pueblo y Parque de la Bola.
Funciones en la CD. De Toluca
Mayo / Festival Internacional de San Luis Potosí.
Festival Iberoamericano y del caribe “Mayo Teatral”, Cuba.
Agosto / Festival de Teatro de Nuevo León.
Septiembre / XXX edición del Festival Internacional de Teatro de Manizales, Colombia.
Noviembre / ......

Hermosa función...

2008-06-01T12:03:00.000-07:00

Una hermosa función

Luis Gutiérrez Ruvalcaba

Ciudad de México, 22.04.2008. Bellas Artes. Jenufa, ópera en 3 actos de Leos Janacek sobre un libreto del compositor basado en G. Preissová. Julia Faesler, puesta en escena. Elenco: Helena Kaupova (Jenufa), Ales Briscin (Steva), Gianluca Zampieri (Laca), Catherine Malfitano (Kostelnicka), Armando Gama (capataz), Carla Madrid (Jano) y otros. Coro y Orquesta del Teatro. Jan Chalupecky, director.

Anoche asistí en Bellas Artes a lo que creo ha sido la función más hermosa que se ha llevado a cabo en ese foro en muchísimos años. En mi opinión, las óperas de Richard Strauss y de Puccini tienen un estilo más del siglo XIX que del XX, por lo que creo que Jenufa y Wozzeck representan la culminación de la ópera del siglo XX, tanto por su estructura musical y dramática, como por su belleza. La lástima es que Jenufa se estrenó en 1904 y Wozzeck en 1923. Aunque hemos tenido algunas otras óperas interesantes después de las dos mencionadas, creo que la ópera como forma artística tuvo que competir con una nueva, el cine, cuya penetración en el gusto e interés de la humanidad hizo que la ópera, por lo menos las nuevas piezas, pasaran a un segundo plano. Pero esto ya es harina de otro costal.

Como nos informa Juan Arturo Brennan en las notas del programa, por cierto más interesantes de las de las casas de ópera de Estados Unidos, Janacek escribió: “Mientras estaba componiendo Jenufa, abrevé profundamente en la melodía de la palabra hablada. Encontré un callado placer en la belleza de estas melodías habladas, en su cercanía con la vida misma y lo adecuado de su expresión. Pude ver hasta lo más profundo del alma del hombre al escuchar esta habla a través de las curvas melódicas de la palabra.” Este párrafo me dice que esta ópera debe ser interpretada por cantantes que hablen con corrección un idioma que no es de los que son hablados por un gran número de personas en el mundo. Esto implica que no hay muchos cantantes no checo-parlantes capaces de hablar el idioma correctamente.

Por fortuna, alguien en Bellas Artes tomó esto en cuenta y decidió importar cantantes checos, como Helena Kaupova que interpretó el personaje epónimo y Ales Briscin el del primo lejano Steva, guapo pero borracho, estúpido y arrogante. El otro medio hermano, Laca, tímido y también estúpido pero todo bondad interior, fue encomendado al tenor italiano Gianluca Zampieri, quien ganó el Premio Libusek de la Asociación de Prensa Checa por su Laca con la Ópera Nacional de Praga, lo que me hace sospechar que es capaz de lograr dar a la música de Janacek una correcta pronunciación y ritmo, características básicas en este drama musical. El cuarto papel principal, el de la sacristana, fue interpretado por una de las grandes divas del cuarto final del siglo pasado, Catherine Malfitano, quien siempre ha sido considerada una artista capaz de reunir una gran interpretación musical a una actuación sobresaliente.

Helena Kaupova cantó con una bella voz, aunque hubo quien dijera que pequeña. Yo la sentí de buen volumen y logró un regalarnos una de las más bellas oraciones que he oído en mi experiencia de asistencia a óperas, la ‘Salve’ del segundo acto. Briscin y Zampieri cantaron sus papeles estupendamente, contrastando sus tesituras, Briscin en la del tenor ligero y brillante y Zampieri en la del tenor dramático, o por lo menos spinto. La Malfitano se unió a grandes de la talla de Anja Silja, Josephine Barstow y otras grandes sopranos que hacen, o han hecho, del papel de Kostelnicka su gran despedida de los escenarios operísticos. Su caracterización escénica e interpretación musical le ganaron el mayor aplauso al final de la ópera.

Interpretación notable, yo diría casi óptima, fue la del director concertador Jan Chalupecky, quien hizo que tanto orquesta y coro tuvieran una actuación destacada, aunque a veces se sintiesen ciertas dificultades de equilibrio dinámico entre orquesta, enorme por cierto, y solistas.

Armando Gama como el capataz y Carla Madrid como Jano tuvieron una noche destacada, sin que esto desmerezca una buena actuación de los demás personajes secundarios.

Lo notable no solo terminó en la interpretación de música y texto. La puesta en escena de Julia Faesler fue extraordinaria, respetando cuidadosamente la acción dramática y el desarrollo musical, y hay que alabar el hecho de que lo hizo con los pocos recursos con los que habitualmente cuenta la cultura en nuestro país. Es probable que el que ella misma haya sido la escenógrafa y diseñado la iluminación, haya sido un factor que ayudó a este éxito. Ojalá Bellas Artes la invite a regresar en un futuro no lejano.

En resumen, puedo afirmar que esta noche asistí a una función de las grandes óperas de todos los tiempos, cuya producción e interpretación no desmerecerían en cualquier casa de ópera del mundo. Y esto no es una hipérbole, créanme.

P.D. Esta función logra hacerme olvidar lo que Bellas Artes nos presentó disfrazado de El barbero de Sevilla el año pasado. De agradecer es la velocidad que se imprimió a la corrección del camino equivocado. Es válido importar artistas, lo que no es válido, de perverso podría calificarse, es importar malos artistas.

http://www.mundoclasico.com/critica/vercritica.aspx?id=16bc32a9-20b0-4902-96b7-f6db77c80cdb

Mayo Teatral: aplausos en la despedida

2008-05-26T08:56:00.001-07:00

Foto©Christa Cowry
Granma

Mayo Teatral: aplausos en la despedida

NORGE ESPINOSA MENDOZA

Concluyó el pasado martes el Mayo Teatral, dejando una vez más el hálito de jornadas intensas, donde confluyó algo de lo mejor que se hace para la escena en nuestro continente. El ánimo del público no decayó durante las últimas horas, y fue así que este importante evento siguió movilizando al auditorio con las propuestas finales, entre las que no faltaron varias cartas de triunfo.

Cerrando la temporada estuvo Aquícualquier@, espectáculo del actor y humorista Osvaldo Doimeadiós. Más que un unipersonal concebido a partir de monólogos y chistes, es un ejemplo digno de lo que un artista de veras obtiene de su talento para regalar al público una mirada veraz a su propia trayectoria. Doimeadiós es el comediante cubano que menos se deja tentar por el exceso, y su sobriedad es directamente proporcional a su capacidad creativa, a su habilidad para desdoblarse en máscaras y tipos memorables. Haciéndonos reír y pensar, su presentación demuestra que se puede validar el modelo de los stands-up comedians desde una voluntad cubana. Cualquier escenario donde se anuncie hoy a este actor nuestro, es una plaza de lujo. Que lo diga, si no, el público que colmó la sala del Museo Nacional de Bellas Artes.

Una sorpresa feliz fue, para este crítico, el trabajo del colectivo mexicano La Máquina de Teatro. Netzahualcoyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos parecía ser un espectáculo más concebido desde el performance y el ritual. Sin embargo, la inteligencia con la cual el joven grupo desmantela el mito del príncipe y poeta precolombino, uniéndolo al propio devenir y vivir de sus actores en el México actual, distingue una propuesta que ahonda en la leyenda para fragmentarla y convertirla en un material de múltiples texturas. Con un elenco entrenado y diestro, y un trabajo de diseño de atractiva visualidad, el montaje de Juliana Faesler se enlaza, curiosamente, a la labor de El Ciervo Encantado, grupo cubano también presente en el Mayo, por su búsqueda en el pasado como laberinto de signos desde un ejercicio de teatralidad muy actual.

Arístides Vargas ha vuelto con Malayerba a Cuba. Desde su primera visita, cuando impactó con Nuestra Señora de las Nubes, este grupo ecuatoriano es recibido con expectación y respeto. La razón blindada y La muchacha de los libros usados aseguran que, en próximos encuentros, no le faltarán esos dos elementos. Sobre todo, por la eficacia de La razónπ , una sólida metáfora política, en la cual su siempre dúctil talento como dramaturgo permite a dos soberbios actores un desempeño de primera línea. Su palabra, siempre cercana a la poesía, da aliento a estos espectáculos, y confirma la validez de Malayerba como expresión de un teatro latinoamericano sin reducciones.

La Casa de las Américas, a punto de cumplir 50 años, se abre como un espacio infinito mediante estas y otras acciones. Puerta continental, a través de proyectos como el Mayo argumenta su rol y su importancia para todos, no solo para los cubanos. Agradezco al Departamento de Teatro y a todos los implicados la nueva edición. ¿Sugerencias? Tal vez que para la próxima cita haya más posibilidad de dialogar entre profesionales, y que aumente la presencia de grupos de formación y estéticas más recientes. Pero sobre todo, que puedan producirse más funciones. Que eso quiere el público capitalino, y el de Matanzas, Santa Clara, Cienfuegos y Granma, adonde se fueron varios teatristas. Y cómo no, cuando de calidad se trata, la Isla toda.

Mayo Teatral//La Temporada de Teatro Latinoamericano y Caribeño Mayo Teatral 2008

2008-05-20T14:39:00.001-07:00

Adelante Mayo Teatral 2008

La Temporada de Teatro Latinoamericano y Caribeño Mayo Teatral 2008, propone a los espectadores cubanos –en esta ocasión multiplicadas las sedes habituales, extenderá su alcance hasta Pinar del Río y Granma— una amplia mirada a la diversidad cultural que comporta la escena contemporánea de la región, y que se expresa en temas, géneros, estilos y opciones del discurso de la representación.

Grupos emblemáticos que reformulan la propia noción del trabajo colectivo en el quehacer de cada día, como La Candelaria y Malayerba, confrontan en esta cita sus propuestas expresivas y sus reflexiones sobre el poder con artistas que han desarrollado una opción creativa en solitario y focalizan problemas afines en el individuo, como el bailarín ecuatoriano Wilson Pico y el actor boricua Teófilo Torres, y un género poco cultivado en Cuba, el circo teatro, de rica pluralidad en la escena del Brasil, muestra un camino ligado al reciclaje y a la economía de recursos. Otro modo de leer el pasado prehispánico y de ponerlo a dialogar con la realidad llega con La Máquina de Teatro y Nezahualcóyotl, título dual que identifica al rey poeta y a la ciudad periférica, poblada de bandas y antros en número mayor que de escuelas. Y también de México, la voz de Chiapas a través del discurso poético de Rosario Castellanos y el compromiso de Ofelia Medina.

Por Cuba, está presente una selección de excelencia que también recorre la riqueza de la escena nacional, desde la impronta de algunos de sus más representativos hacedores, y que habla de la historia y del presente, de los hitos de nuestra memoria colectiva y de nuestros sueños de cara al futuro, en una polifónica muestra de lenguajes: drama experimental, musical, danza y teatro de muñecos.

Imaginarios y utopías que recrean el rostro múltiple de un continente históricamente comprometido en la lucha por la independencia y la justicia, se traducen en poéticas, formas, ritmos y colores, para hacer de este diálogo festivo también un espacio de hermandad e integración latinoamericana y caribeña.

Vivian Martínez Tabares

http://www.casadelasamericas.com/premios/teatro/mayoteatral/2008/programacion.php?pagina=programacion

Mediocridad y audacia en el FMCH

2008-04-29T20:08:00.000-07:00

17-Abr-2008

Horizontes imaginarios

Luz Emilia Aguilar

Mediocridad y audacia en el FMCH

La 24 edición del Festival de México en el Centro Histórico tuvo un audaz inicio con la ópera Jenufa, de Leos Janácek, bajo la batuta de Jan Chalupecky, la participación de Catherine Malfitano, Ales Briscein, Gianluca Zampieri, Helena Kaupová, Irasema Terrazas en el elenco y la dirección escénica, escenografía e iluminación de Juliana Faesler.

Si nos limitamos a leer la síntesis argumental de Jenufa tenemos en apariencia un anecdotario de atrocidades, en una aldea cuajada de prejuicios y corazones desquiciados: un drama de folletón. Un acercamiento mayor nos deja ver una tragedia de estremecedora lucidez sobre la complejidad de la naturaleza humana, la relación de ésta con el sistema de creencias, concepciones acerca de la familia, el amor y Dios. De uno a otro personaje vemos expresiones de bonhomía junto a lances destructivos manados del dolor, la posesividad, impulsos redentores en profundos ríos de abuso e incomprensión y, al final, un paradójico triunfo del amor y la renovación de la vida. Más allá de las convenciones, usos y costumbres que ubican la obra en Monrovia a fines del siglo pasado, la temática de fondo es de vigencia intemporal.

La puesta en escena arrancó el día de su estreno el jueves pasado en Bellas Artes, confusa, con torpes coreografías, un trabajo actoral amordazado por tensiones ajenas a la ficción, un vestuario que parecía conjunto de saldos de una tienda de disfraces y una relación malograda entre el video realizado por Nicolás Pereda, con el resto de los elementos. En esa parte inicial no acabó de cobrar sentido la pasividad en las proyecciones, el transcurso lento de la naturaleza en la imagen en blanco y negro, en contraste con las formas que dibujaban los dorados haces de luz en el piso y el ir y venir de los protagonistas y el coro. Para el segundo y tercer actos la puesta en escena encauzó hacia una propuesta de dirección rica en detalles, reflexiva, memorable. El video se fue revelando significativo en el viaje a través de las estaciones, ciclos de la naturaleza, el paso del riguroso blanco y negro al color, y el contraste entre la armonía de las imágenes en la pantalla y el desgarramiento en las relaciones interpersonales y las batallas de conciencia que azotaban a los personajes. La escenografía en sus transformaciones se tornó sintética, el movimiento escénico coherente, complejo. Los cambios de vestuario ofrecieron diseños amables con quienes los portaban, más atinados en su significación. Y los cantantes, que quizá para entonces se habían relajado en la función de estreno y permitieron un mejor fluido del trabajo conjunto, fueron desplegando maravillosas dotes. Aquí brilló Ales Briscein en el papel de Steva. Fue posible adivinar la fuerza de la que era capaz Cianluca Zampieri como Laca. Helena Kaupová, a cargo de Jenufa, cobró un poco de soltura, sin alcanzar la plena complejidad a la que podría dar lugar el personaje. Quien deslumbró fue Catherine Malfitano, en el papel de Kostelnicka Buryjovka, la madrastra de Jenufa y Sacristana de la iglesia local, por su concentración de la energía, la complejidad orgánica que expresó en el juego de su gestualidad, el sí rotundo a la ficción que sobrepasaba el escollo de dar veracidad en el fluido dramático determinado por las necesidades de la música. Inolvidable me pareció la imagen de esta representante de la moral de su comunidad, con el crucifijo destellando al cuello, vestida de negro, atroz en su determinación de cometer el crimen y hacerlo en el nombre de Dios y movida por el amor.

Al feliz inicio del Festival siguió la mediocre adaptación de la cinta Together, a cargo del Vesturport Theatre Group, de Islandia, con la participación de la española Elena Anaya y Gael García Bernal. En su pesado y aburrido transcurrir, esta recuperación del mundo hippie, la comuna, antología de ideologías libertarias que marcaron la segunda mitad del siglo XX, se anegó en un incesante despliegue de estereotipos, un teatro sin conflicto vivo, fincado en la alternancia facilona de chistes y canciones de época, muchas de ellas en islandés. Resultó incapaz de dar una visión crítica, ni siquiera entretenida sobre las décadas de ideales perdidos.

Resulta difícil hablar de construcción de personajes, de actoralidad con un desempeño en el que predominaba la autocomplaciente exhibición ante el público por parte de los desparpajados miembros del elenco. Es una pena que el equipo involucrado en esta puesta en escena, confiara en que para dar lugar al teatro bastaba con bajar al escenario una o dos estrellas.

Nuevo Exelsior

http://www.exonline.com.mx/diario/columna/192079

ESTUPENDA JENUFA EN BELLAS ARTES

2008-04-14T09:44:00.001-07:00

NOCHES DE ÓPERA
VLADIMIRO RIVAS ITURRALDE
ESTUPENDA JENUFA EN BELLAS ARTES

Que un crítico se ponga en trance de suspender la mirada crítica sobre un espectáculo y se deje llevar con inocencia por los acontecimientos que le son mostrados, es el mejor elogio para la obra artística que le ha tocado en suerte contemplar. Es el caso de este cronista frente a la ópera Jenufa del checo Leos Janácek (1854-1928), escogida para inaugurar el Festival de México en el Centro Histórico en 2008 y conmemorar el octogésimo aniversario de la muerte del compositor.
Jenufa (Brno, 1904) es la tercera de las nueve óperas que compuso Janácek, y la que en 1916 le dio fama europea, catorce años después de su estreno en Brno. El libreto es del mismo compositor, basado en el drama rural de Gabriela Preissová. Si no la mejor, es la más popular de las óperas de Janácek, cuya obra fue creciendo en complejidad musical y autoexigencia, en óperas tan geniales como Katia Kabanova, El caso Makropulos o Desde la casa de los muertos. Jenufa, pese a sus audacias formales, tiene aún los pies sobre el naturalismo decimonónico, mientras que Desde la casa de los muertos, la última ópera, con sus disonancias, polirritmos y politonalidad, se sitúa de lleno en el siglo XX. Janácek cuenta en Jenufa la historia de un infanticidio cometido en medio de las rígidas normas morales de los campesinos de su Moravia natal. Esta es la razón por la que escucharemos en el primer acto sabrosas danzas checas, interpretadas con insólita desenvoltura por el coro de la ópera de Bellas Artes. Una de las paradojas de esta singular historia es que Kostélnicka, la madrastra, personaje sólido, fuerte, resulta el más débil de los personajes, es decir, la criminal acosada por la culpa y, al final, víctima del castigo. Hay en Jenufa elementos que la sitúan más allá del verismo italiano. Es cierto que se trata de un drama campesino, como Cavalleria rusticana de Mascagni, pero la ópera de Janácek tiene una profunda unidad que no se ve en la ópera italiana, rota por intermezzos orquestales, procesiones y hasta por arias. Jenufa es un flujo ininterrumpido de música y drama. La modernidad de los procedimientos armónicos se alía a un agudo sentido tímbrico Los personajes cantan los recitativos mientras la melodía está a cargo de la orquesta.
Y esa unidad del drama se vio respetada, tanto en la dirección orquestal y coral del joven y ya muy experimentado director Jan Chalupecky, como en la estupenda dirección escénica de Juliana Faesler, quien, con su equipo, hizo un trabajo irreprochable. Qué delicia es ver actuar a los cantantes de ópera, vivir y hacer vivir el drama escénico y no sólo cantar como colegiales. Esto es ópera: música y teatro. Chalupecky educó al coro en la pronunciación del checo e impuso al conjunto un concepto musical, una idea de la ópera, clave del resultado exitoso. La orquesta de Bellas Artes tenía el gran desafío de interpretar una música extraña para sus oídos, pero la hizo sonar, gracias a Chalupecky, superándose a sí misma y acompañando muy bien a los cantantes. La excelente puesta en escena contó siempre con proyecciones al fondo que creaban el clima psicológico adecuado para la situación. Escenografía, iluminación, dirección de actores, movimientos y juego escénico, fueron imaginativos y expresivos. Todos los personajes, incluso el coro, con aplomo y convicción, hicieron todo creíble, una experiencia viva.
Esta Jenufa es una reacción en cadena en que cada uno de sus elementos da lo mejor de sí. El elenco internacional estuvo presidido por esa notable actriz cantante que es Catherine Malfitano, una soprano lírica norteamericana que, pese a su edad, mantiene joven y poderosa su voz. Con sus grandes recursos vocales y teatrales, resultó ideal para encarnar a Kostélnicka, la madrastra, ese personaje complejo, matriarcal, a tal extremo respetuoso de la tradición y el orden social, que, paradójicamente, acaba quebrantándolo. En el papel de Jenufa, su hijastra, Helena Kaupova tuvo un desempeño a la altura de las exigencias del personaje. Sólo echamos de menos sus sonidos graves, casi sepultados por la orquesta. El tenor checo Ales Briscein y el italiano Gianluca Zampieri fueron, respectivamente, Steva y Laca; el primero, un personaje borracho, irresponsable y jactancioso; el segundo, un personaje que se vuelve cada vez más querible por su bondad y autenticidad. Sus actuaciones, vocal y escénica, más que satisfactorias. Los comprimarios estuvieron a cargo de cantantes mexicanos. Muy bien el Capataz de Armando Gama y la hija del Alcalde de Irasema Terrazas, así como el Jano de Carla Madrid. Bien el Alcalde de Arturo López Castillo y la Alcaldesa de Eloísa Jurado.
Jenufa se presenta en México ciento cuatro años después de su estreno mundial en Brno. Janácek es un compositor más que interesante, es una de las cumbres de la ópera del siglo XX, junto con Berg, Puccini, Strauss y Britten. Con Jenufa como antecedente, Bellas Artes está obligado a evitar que una golondrina haga verano. Que no haya que esperar otras decenas de años para ver Katia Kabánova, obra que pide a gritos ser representada en nuestra máxima casa de ópera.
En suma, excelente Jenufa en Bellas Artes. Hay que verla.

Milenio Diario // Lunes 14 de abril 2008

Jenůfa o el amor de repuesto

2008-04-12T11:22:00.000-07:00

Juan Arturo Brennan
Jenůfa o el amor de repuesto

Ensayo general de la ópera checa que se escenifica en el Palacio de Bellas Artes

La noche del jueves dio inicio la versión 24 del Festival de México en el Centro Histórico con el estreno en el país (con apenas 104 años de retraso) de la ópera Jenůfa, quizá la obra más importante del compositor checo Leos Janácek. Al hacer de esta ópera no sólo su función inaugural, sino también su plato fuerte, el festival ha hecho una apuesta riesgosa (y por ello admirable), en el entendido de que Jenůfa se aparta claramente, tanto en su música como en su drama, de los caballitos de batalla preferidos del público que suele frecuentar Bellas Artes.
A primera vista, el argumento de Jenůfa está formado por situaciones y conflictos que son materia común en numerosas óperas de repertorio. Sin embargo, el perfil individual de cada momento dramático y la forma en que se engarzan unos con otros hacen de Jenůfa un drama bastante más potente y complejo de lo que pudiera parecer.
Esta puesta en escena de la Jenůfa de Janácek resultó, en su función inaugural, un acierto en varios niveles. El mérito principal corresponde a la dirección de escena de Juliana Faesler (su primera en Bellas Artes), planteada con un trazo teatral unitario y coherente, adecuado inteligentemente a la materia narrativa del libreto y al entorno escenográfico y lumínico creado por ella misma.
Una de las virtudes de esta puesta en escena fue la claridad como línea de conducta, una claridad que se mantuvo incluso en las escenas en las que participó el coro, que tuvo momentos de muy buen rendimiento tanto en lo teatral como en lo musical.
Jenůfa es una obra sustentada en los usos y costumbres de la Moravia rural del siglo XIX, y como tal pudiera generar la tentación del folclorismo turístico. Venturosamente, la puesta en escena de Faesler evitó caer en la postal decorativa y el pintoresquismo, pero sin perder la componente de tradición que es uno de los pilares de la ópera.
Esta escenificación de Jenůfa tuvo otro de sus méritos en marcar con toda claridad la enorme carga de atavismos morales, sociales y religiosos que constituyen, junto con las disfuncionales relaciones familiares, los resortes dramáticos de la narración. Lo más destacado, sin duda, fue el buen manejo de la progresión narrativa del segundo acto, potenciando una admirable estructura dramática sustentada en los encuentros sucesivos de Kostelnicka (madrastra de Jenůfa) con tres personajes y luego consigo misma.
En lo vocal, lo más destacable de esta Jenůfa de estreno corrió a cargo de la soprano neoyorquina Catherine Malfitano, quien hizo una Kostelnicka sólida y profunda a lo largo de toda la ópera. Malfitano ya no es, ni en su voz ni en su presencia escénica, aquella casi legendaria Salomé de hace años (Covent Garden, Deutsche Oper), pero su experiencia vocal y su colmillo teatral le permitieron dominar ampliamente las tablas de Bellas Artes, en contraste con la Jenůfa de Helena Kaupova, correcta en lo musical pero poco convincente en el desarrollo de su personaje. En las primeras páginas del primer acto, las cantantes protagonistas tuvieron problemas con su registro grave, que por momentos se perdió, pero los fueron superando a medida que la ópera avanzó.
En cuanto a los dos hombres entre los que se debaten los afanes amorosos de Jenůfa, destacó la caracterización de Gianluca Zampieri en el papel de Laca, actuado y cantado con un buen énfasis en las contradicciones sociales y morales de un pretendiente cuyo arrebatado gesto de amor apache lo convierte fatalmente, al final de la ópera, en el amor de repuesto de Jenůfa
Los cantantes mexicanos convocados para esta ópera checa tuvieron un rendimiento a la altura de las circunstancias, especialmente Belem Rodríguez, Irasema Terrazas y Armando Gama. La dirección musical, a cargo de Jan Chalupecky, evidenció un conocimiento profundo de la partitura y una buena capacidad para el armado de la continuidad sonora. Chalupecky obtuvo de la Orquesta del Teatro de Bellas Artes buenos momentos de solidez y empaque, contrastados con otros (sobre todo en el tercer acto) en los que las cuerdas agudas tuvieron serios problemas de precisión.

LA JORNADA / sábado 12 de abril de 2008 → opinión → jenůfa o el amor de repuesto

2008-03-23T20:18:00.000-07:00

JENŮFA
(Její pastorkyňa)

Ópera en tres actos de Leoš Janáček (1854-1928)
basado del drama rural de Gabriela Preissová (1862-1946).

Estreno en México, abril 2008

ELENCO:

KOSTELNICA BURYJOVKA: CATHERINE MALFITANO
VIUDA, NUERA DE LA ABUELA BURYJA

JENŮFA: HELENA KAUPOVA
SU HIJASTRA

LACA KLEMEN: GIANLUCA ZAMPIERI
NIETO DE LA ABUELA BURYJA Y MEDIOHERMANO DE STEVA

STEVA BURYJA: ALES BRISCEIN
NIETO DE LA ABUELA BURYJA Y MEDIOHERMANO DE LACA

LA ABUELA BURYJA: BELEM RODRÍGUEZ
PROPIETARIA RETIRADA DEL MOLINO

CAPATAZ: ARMANDO GAMA

ALCALDE: ARTURO LÓPEZ CASTILLO

SU ESPOSA: ELOISA JURADO

KAROLKA: IRASEMA TERRAZAS
SU HIJA

JANO: CARLA MADRID
NIÑO PASTOR

BARENA: ELEONORA SANCHO
SIRVIENTA EN EL MOLINO

PASTORA: EMMA MELIK-STEPHANIAN

TÍA: ARACELI HERNÁNDEZ

FESTIVAL DE MÉXICO EN EL CENTRO HISTÓRICO

ORQUESTA Y CORO DEL TEATRO DE BELLAS ARTES.

2008: 70 ANIVERSARIO DEL CORO DEL TEATRO DE BELLAS ARTES.

DIRECTOR CONCERTADOR Y DE COROS: JAN CHALUPECKÝ

DIRECTORA DE ESCENA, ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN: JULIANA FAESLER

DISEÑO DE VESTUARIO: ELOISE KAZAN

ARTISTA AUDIOVISUAL: NICOLÁS PEREDA

COLABORACIÓN ARTÍSTICA: CLARISSA MALHEIROS

COREOGRAFÍA: JESSICA SANDOVAL

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: FABIOLA RIVERA

FUNCIONES,

JUEVES 10, 20:00 HRS; DOMINGO 13, 17:00 HRS; DOMINGO 20, 17:00 HRS Y MARTES 22, 20:00 HRS.
2008

TALLER CON POL PELLETIER

2008-03-02T21:59:00.001-08:00

Dos únicas funciones

2008-02-16T22:15:00.001-08:00

Nostalgia del Huevo.... Despertar del 2008. Teatro...

2008-01-05T21:59:00.000-08:00

Lo que esperan hacer del teatro los teatreros por Boba Wilson/ publicado en diciembre del 2003.

Nombres en la foto
(atrás, de izquierda a derecha): Alberto Lomnitz, Martín Acosta, Alejandro Veliz, Juliana Faesler, Phillippe Amand, Luis Mario Moncada.
(abajo, sentados):
Sandra Félix, Ximena Escalante, Agustín Meza, Clarissa Malheiros, Mauricio García Lozano, Enrique Singer, Claudio Valdés Kuri.

Fotografía
Diciembre 2003
Lo que tienen en común estos personajes es su pasión por el teatro, y ninguno se apabulla o se espanta en este momento, difícil para las actividades culturales. Cada uno apuesta sin dudar a su oficio, a su visión, a sus ideas con un resuelto entusiasmo por este arte que en nuestros días se antoja casi demodé.

Primera llamada.

Embajada de México en Delhi. Se prepara la posada. Veo como un ejército de gente descarga una infinidad de cosas para construir una carpa en el jardín. Bambúes y paquetes como gigantes regalos. Escribo sentada en la veranda. Oigo la grabación de la comida que hice en México, cuando tomamos la foto. Preparar una fiesta es como preparar una obra de teatro, poco a poco.

El teatro en México ocupa a más individuos de lo que podría pensarse. Cada viernes en nuestra gran metrópoli es posible escoger entre más de 60 espectáculos. Y más de 18 mil personas están involucradas, entre taquilleros, acomodadoras, técnicos, actores, directores, escenógrafos, público en general, etc.

En el jardín poco a poco se desempacan los misterios: Cuerda y tela roja.

Oigo, mientras observo, la voz de Claudio Valdés Kuri que me dice, hace sólo cuatro días, en México: “Le apuesto al teatro, a todo teatro que tenga calidad y honestidad, que se arriesgue.”

Allá del otro lado de la ventana se va levantando frente a mí una forma increíble.

Ximena, al oído, desde lejos, acota: “Me gustan las obras que construyen una historia poderosa de ficción.”

Se aparece un esqueleto como de ballena. No veo herramientas, sólo manos que hacen nudos.

“Me importa la unidad de los elementos y que todo se integre en una sola obra de arte.” Susurra Jorge Ballina en un tiempo que apenas recuerdo.

La ballena va perdiendo su forma, ahora es un hormiguero.

Y las voces del casete me explican (Philippe Amand): “Todo depende del momento de tu vida; ahora me ocupo mucho del teatro para niños, tal vez por Sophie” (su hija de un año). Sandra completa: “Es como redescubrir el mundo desde ese otro punto de vista.” Verónica Musalem, que está muy cerca, le dice a otro: “Mi obsesión es regresar a los orígenes, reelaborar los mitos mexicanos y hablar del México contemporáneo, siempre buscando otras formas de narrar.”

Hay trabajadores arriba y abajo, a los lados, lejos y cerca de la estructura, que tienden loneta gruesa como techo.

Philippe, entusiasta, me platica del nuevo proyecto de Luis de Tavira, el Maestro que está creando una compañía de teatro en Páztcuaro: “Hay que descentralizar el teatro. Me entusiasma la idea de hacer buen teatro en un pueblo. Me gusta que la gente de ahí vea una obra de Brecht y al que al final aplauda de pie.”

Segunda Llamada

Han cubierto la estructura de tela roja, roja como un telón. Alguien decide dónde van las luces, las flores, los calentadores.

Sonriente, Alberto Lomnitz declara que le gusta un teatro que sea reflexivo pero no exento de una gran comicidad.

Dejo de escribir y volteo, ahora el jardín es un gran salón rojo.

Martín Acosta le apuesta a un teatro del corazón y de la mente.

En la cocina, el chef, en uniforme, prepara tamales. Su ayudante viste un sari de color verde limón.

“Hay preguntas que nos hacemos en común. Para resolverlas está la vida y, el teatro, para plantearlas”, continúa Martín.

Regreso a la veranda. Me he paseado por este mar de gente oyendo el barullo en cassete de una fiesta que sucedió hace sólo una semana y veo los preparativos de esta otra, al otro lado del mundo.

“Un mundo utópico donde el diálogo entre las ideas se da en el escenario”, me dice Ana.

Me quedo pensando y levanto la mirada: ahora hay espejitos que son pegados a la pared.

Creo que uno no tiene que coincidir con el universo que se nos plantea, pero hay que conocerlo, y el teatro es un vehículo que te lleva a él.

Como ya es tarde y hace frío se prenden las fogatas y se calienta el te. Todos, y son muchos, se reúnen en cuclillas, en silencio. Reflejan el fuego los espejitos en forma de mangos gigantes sobre las paredes de tela roja. Así ha sido siempre.

Y todo esto sucede mientras Enrique me confía desenfadado: “El evento se aparece: no lo planeo, me llega, como espectador tanto como creador”.

Y a lo lejos, sobrepasando las voces de mis amigos, el grupo ensaya I will survive, en hindi, y todo esto me resulta familiar.

Como una increíble coincidencia, la voz grabada de Mauricio declara: “A mí me interesa más, incluso más que la imagen, el universo musical de una puesta en escena”.

Se han prendido los candiles, se colgaron las piñatas, se plancharon los uniformes: todo el mundo se prepara.

Lo mejor de un hecho teatral es cuando todo sucede entre el espectador y el creador, cuando no hay intermediarios, cuando nadie le da respiración artificial.

Tercera Llamada

Llegan los invitados, y yo todavía escucho divertida la grabadora, los meseros ofrecen Margaritas. Escondida y espiando, mientras intento peinarme, veo cómo llegan hermosas mujeres con saris dorados y esposos de turbante y grandes bigotes; los mexicanos toman ponche. Yo revuelvo mi maleta en busca del vestuario que he de ponerme esta noche; me acompaña la voz de Alejandro Veliz: “Lo que me gusta del teatro, lo que me importa, es su magia, su vitalidad y el milagro.”

EL IDIOMA DEL CUERPO. ENTREVISTA CON CLARISSA MALHEIROS

2007-12-13T12:08:00.000-08:00

LETRAS LIBRES / TEATRO
EL IDIOMA DEL CUERPO. ENTREVISTA CON CLARISSA MALHEIROS
POR ANTONIO CASTRO
DICIEMBRE DE 2007

Nacida en Porto Alegre, Brasil, Clarissa Malheiros es una de las actrices principales del teatro mexicano contemporáneo. Egresada de la prestigiosa escuela de Jacques Lecoq en París, colaboró con las compañías inglesas Talking Pictures, Tottering Bipeds y Kaboodle. Desde hace más de diez años radica en México, donde ha trabajado con numerosos directores, entre los que destaca Juliana Faesler, con quien fundó La Máquina de Teatro. Poseedora de un rango amplísimo, Malheiros ha logrado interpretaciones memorables en puestas en escena como Alicia en la cama, Frankenstein, La Eva futura, Antígona y, recientemente, Nezahualcóyotl.

¿Cómo empezaste a hacer teatro?
El origen de todo es mi mamá, que era maestra de expresión corporal. Su pasión era la danza. Ella me introdujo al mundo del teatro en Brasil. Empecé a actuar desde muy joven. Todavía estaba la dictadura por lo que yo necesitaba una autorización del juzgado de menores para actuar en obras de adultos.

¿Había censura?
Sí, ya no era tan rigurosa, pero aun así todo lo que hacíamos tenía que estar aprobado por los comisarios de la censura. Era bastante raro. De pronto, llegaban al ensayo general. Veías a unos burócratas salidos de un cuento de Gógol sentados en la butaca, tomando notas. Había que entretenerlos y hacerlos reír. La primera obra profesional que hice fue La boda de Brecht, que es una obra muy elástica. Te permite hacer algo muy pulcro para la censura y al mismo tiempo descomponer las cosas para buscar otros significados.

¿Cómo fue que saliste de Brasil?
Cuando acabé la carrera de actuación, me fui a Nueva York. Ahí viví tres años. Fue muy emocionante. A veces pienso que mi verdadera escuela fueron las calles de Nueva York. La vida teatral de los ochenta era muy interesante: estaba Andrei Şerban en La MaMa Theatre, con sus obras griegas, Meredith Monk a todo lo que daba, el Wooster Group, Joseph Papp, Laurie Anderson, Mabou Mines, Richard Foreman. Había muchas alternativas al teatro convencional. En Columbia University tomé un curso con Grotowski, que acababa de salir de Polonia. Ese Nueva York post post, como le decían, estaba lleno de un ánimo vanguardista, subversivo. Era una maravilla.

Sí, qué distinto al de ahora. ¿Por qué te fuiste a París?
Mi idea siempre fue estudiar con Lecoq. Desde que estaba en Brasil fui parte del Grupo TEAR de Maria Helena Lopes. Ella venía de Lecoq y me transmitió esa pasión por el clown, por las máscaras. En esa época no había los libros que existen hoy. Mi gran inquietud era descubrir de dónde provenía todo eso.

A mí me gusta mucho la pedagogía de Lecoq. Pienso que ha sido el más claro en explorar el cuerpo y la emoción, más allá de la psicología.
También lo creo. Hay otra cosa interesante: para poder entrar a su escuela, tienes que haber estudiado teatro. Es una pedagogía posterior a tu primera formación. Cuando llegas ahí, te encuentras con gente de todo el mundo que ya tiene una experiencia profesional. Cada quien tiene su idea sobre el teatro. Eso enriquece mucho. Uno de los problemas más graves de la enseñanza teatral en México es que la gran mayoría de los actores no trasciende la primera etapa de su formación. Nunca la confronta con nada más. No hay un desarrollo, una evolución.

¿Qué singulariza la pedagogía de Lecoq? ¿Por qué es distinto a Stanislavski?
Lecoq descubrió algo importante, que ahora veo con mucha claridad. Él decía que todos los seres humanos tenemos un fondo poético común que se expresa con el cuerpo. Gracias a esto sabemos leer cada impulso de movimiento como una indicación emocional, psicológica o hasta intelectual. Si no conoces a una persona, en la vida o en el escenario, y aparece, lo primero que lees es su cuerpo. No estás viendo un pensamiento, ni una psicología. Ves un cuerpo y lo interpretas: cómo se mueve, cómo vacila, qué lo hace especial. La suma de esta información nos da una idea de su personalidad. Por eso, para el actor la educación corporal lo es todo. Esto no significa que el actor tenga que ser un virtuoso del movimiento. Al contrario. El virtuosismo de un bailarín o de un acróbata los convierte en criaturas anónimas, que observamos porque realizan formas extraordinarias. Y un actor jamás puede ser anónimo. Tiene que conectarse siempre, secretamente, consigo mismo, para que sus movimientos puedan ser desentrañados mediante ese vocabulario común. Cómo ocurre este proceso es un misterio, pero se trata de reeducar al cuerpo. Finalmente, la emoción también es un movimiento. Es un movimiento incontrolable, cuya resonancia es interna. En tu vida cotidiana, las emociones ocurren dentro de ti. El trabajo del actor es invertir la proyección de este movimiento, haciendo que la resonancia sea externa. Lecoq entendió todo esto muy bien y construyó un sistema muy abierto que funciona para estilos de actuación muy distintos.
Háblanos sobre tu experiencia en Londres.
Un día sonó mi teléfono y me invitaron a audicionar para una compañía inglesa, que se llamaba Talking Pictures. Estaban buscando a alguien con mi perfil, que hablara varios idiomas. Me contrataron. Tuve mucha suerte porque me tocó trabajar con Stephen Daldry, que era un jovencito en esa época. Poco después, se convertiría en el director de The Royal Court Theatre. Recientemente, ha incursionado en el cine con mucho éxito. Hizo Billy Elliot, The Hours... Con Daldry hice una obra que se llamaba The Europeans, que terminó haciendo una gira de un año. Estuvimos en el Festival de Avignon, en Edimburgo... The Europeans se convirtió en una trilogía. Yo participé en las tres obras. Después trabajé con una compañía con más trayectoria, que se llama Kaboodle, dirigida por el actor director Lee Beagley. Con él fueron mis primeras experiencias de teatro realista. Hice La señorita Julia de Strindberg y Las bacantes, que fue una locura porque los sistemas de producción ingleses no te dan tiempo para ensayar. La hicimos en veintiún días y yo tenía unos monólogos infernales.

¿Cómo llegaste a México?
Vine para trabajar con Juliana Faesler en Rosencrantz y Guildenstern han muerto de Tom Stoppard y me quedé. Habíamos hecho Pedro Páramo en Londres. Antes de venir, me encontré con una compañía mexicana en París. Estaban haciendo El concilio del amor de Oskar Panizza. Ahí estaban Jesusa Rodríguez, Liliana Felipe, Tito Vasconcelos, Diego Jáuregui. De inmediato sentí mucha afinidad. Se volvieron amigos muy queridos.

Quisiera hablar sobre Nezahualcóyotl, tu última colaboración con Juliana. Es un trabajo interesante porque logra que un mundo mítico antiguo dialogue con una realidad urbana contemporánea. Es un ejercicio muy lúdico y una forma muy original de revisar un paradigma prehispánico. La puesta en escena no parece provenir de un texto escrito. ¿Cómo lo trabajaron?
Tanto en Nezahualcóyotl, como en La Eva futura, partimos de una escaleta temática sobre qué cosas nos interesaban y cómo iba a ser la secuencia. A partir de esta estructura, empezamos a improvisar y a hacer ejercicios por temas. Paralelamente, fuimos investigando, leyendo, para complementar lo que hacíamos en escena. Eventualmente, acumulamos una cantidad enorme de material, lo que resulta muy agobiante si no tienes una estructura previa que ayude a organizar la acción.

A mí me pareció emocionante cómo la obra es la exploración escénica de un concepto o de una palabra que tiene tantos significados: poeta prehispánico, ciudad marginal, con todo la que hay en medio.
La inquietud fue de Juliana. A ella le interesaba Nezahualcóyotl. A mí jamás se me hubiera ocurrido trabajar con ese material. Fui literalmente arrastrada a hacerlo. Ahora me doy cuenta de que tenemos una percepción muy excluyente, muy solemne, muy rara en lo que se refiere al mundo prehispánico. Es como si no nos gustara hablar de él. Tenía una resistencia cultural muy fuerte, que desapareció gracias a haber hecho la obra. ~

http://www.letraslibres.com/index.php?art=12549

FORMALIDAD LEGAL Y JUSTICIA

2007-12-10T20:34:00.000-08:00

FORMALIDAD LEGAL Y JUSTICIA

por Julio Faesler

Las decisiones de los juzgadores están siempre sujetas al escrutinio de la sociedad. La aplicación restrictiva de una norma procedimental puede tener resultados contrarios al sentido más elemental de ética jurídica. Los formalismos judiciales diseñados para prevenir abusos e irregularidades intencionadas también pueden servir propósitos perversos.

En el caso de la periodista Lydia Cacho se trataba de determinar si las garantías individuales de la periodista Lydia Cacho habían sido atropelladas por una acción concertada de diversas autoridades estatales y federales. La sentencia emitida el pasado 29 de noviembre por la Suprema Corte de Justicia de la Nación, aprobada por mayoría de votos la sociedad mexicana observó con incrédulo asoro cómo séis Ministros recurrieron a rebuscadas interpretaciones legalistas para eludir su responsabilidad de defender la justicia.

En efecto, la Suprema Corte de Justicia de la Nación negó tener suficientes elementos para encontrar que hubiera habido violaciones graves a las garantías individuales de Lydia Cacho. Mucho menos halló complot de autoridades para realizarlas.

Para ello nuestro máximo tribunal desestimó pruebas contenidas en el expediente de más de 300 fojas y que evidenciaban colusión de autoridades para violar los derechos humanos más elementales de la reportera. La Corte alegó improcedencia de utilizarlas por no haber sido reunidas conforme a la normatividad formal. Serían, además, insuficientes para acreditar tales violaciones, y su caso, su gravedad.

En relación con la repugnante conversación telefónica entre Kamel Nacif y su amigo el gobernador “precioso” de Puebla, Mario Marín, y cuya grabación fue tan difundida por todo el país, el Ministro Guillermo Otriz Mayagoitia dijo que cuando mucho se demostraría una intervención aislada para que se llevara adelante un proceso penal, cuyas irregularidades eran menores.

Tratándose del pavoroso viaje de Cancún a Puebla durante el cual la periodista Cacho fue objeto de las más sórdidas vejaciones y amenazas por agentes que ella luego describiría en su libro “Memorias de una Infamia”, la Ministra Olga Sánchez Cordero admitió que “los traslados no son agradables menos los que se hacen con policías judiciales …pero que no había sido grave la tortura psicológica ni la violación de derechos …”

Otra señora Ministra, Margarita Luna Ramos, concluyó que “…pudo haber muchas violaciones a sus garantías individuales pero…eran resarcibles…a través de los medios jurídicos establecidos…pero no para que esta Corte realice una investigación…y una recomendación…”

El Ministro Sergio Valla Hernández afirmó que no había “elementos para afirmar con plena certeza, y no en base a suposiciones, que se produjeran violaciones leves o graves a las garantías individuales de la señora Cacho…”

Sorprendente la frialdad con que el Ministro Sergio Aguirre Anguiano declaró que después del traslado por agentes judiciales varones “…se dice que Ñydua Cacho fué posteriormente seguida por una intimidante camioneta blanca marca Liberty;… bueno, depende del ánimo de la persona, hay quien se puede intimidar con una bicicleta, una camioneta, o con un tráiler, para mí esto carece de significación…” Mariano Azuela Güitrón afirmó que “no está probada la violación gravísima de garantías individuales”.

Contra esas confusas excusas el Ministro Juan Silva Meza encontró probada la violación grave de garantías individuales de la señora y que “sí pueden determinarse las autoridades que concertaron esa violación y que la impunidad no tiene cabida”.

El Ministro José Ramón Cossío fue contundente: “…por supuesto que no vamos a encontrar en una actividad realizada por autoridades públicas pruebas o confesiones…sería ingenuo suponer que esto va a acontecer justamente cuando el concierto puede tener la presunción o la intención de lastimar a una persona…por el registro de las llamadas telefónicas que aceptamos como prueba documental ….uno se da cuenta de que existen ciertos patrones…que permiten comprobar una violación grave…ahí está la nota de gravedad…”

Los Ministros Genaro Góngora Pimental como José de Jesús Gudiño Pelayo vieron violación grave de los derechos individuales y concierto de las autoridades lo que se demuestra con el flujo de llamadas y con las irregularidades en el expediente, hay prueba circunstancial debidamente, lógicamente engarzadas

El efecto concreto de la sentencia fue dejar en la impunidad al Gobernador de Puebla, Mario Marín. El que la Suprema Corte exonerara al gobernador de haberse coludido para atropellar los derechos individuales de la periodista, de ninguna manera impide la acción de la Procuraduría General de la República que tiene instrucciones precisas de investigar y determinar a los presuntos responsables señalados en las acusaciones enderezadas por Lydia Cacho contra los acusados de tener montada una siniestra red pederasta. Es decir que sujetos como Sucar Kari y Kamel Nacif y el propio Marín siguen bajo escrutinio.

Al haber esquivado su responsabilidad de garante nacional de la justicia y de la ética jurídica la Suprema Corte debilitó su autoridad y confiabilidad en momentos en que la sociedad mexicana más requiere instituciones que cuiden los valores morales en que México todavía está buscando sustentarse.

El siglo de Torreón domingo 09 de diciembre de 2007.
juliofelipefaesler@yahoo.com

V.- MUESTRA EN 5 ACTOS.

2007-12-10T20:32:00.000-08:00

V.- MUESTRA EN 5 ACTOS.
GRUPOS Y/O COMPAÑÍAS EMERGENTES.
Programa presentado durante la XXVIII emisión de La Muestra Nacional de Teatro en Zacatecas, 2007.

“La antigüedad del tiempo es la juventud del mundo”
Francis Bacon

Eugenio Barba acuñó el término el Tercer Teatro para definir la inmensa variedad y cantidad de espectáculos que no son teatro tradicional, ni teatro de vanguardia. "Esa rica flora y fauna de grupos, proyectos y/o espectáculos, que por miles ocurren en el planeta y que son la consecuencia de la fragmentación del modelo único de teatro y que surgieron desde finales del los años sesentas en Europa” y ahora en todos los rincones de América y sí, también en nuestro México contemporáneo.
Hoy sólo miramos al teatro subvencionado o de cierto éxito artístico, e ignoramos casi siempre, al tercer estado del teatro: los pobres, los jóvenes y agregaríamos, los objetos escénicos marginales, que tienen un sentido que va más allá de una intención puramente estética, en el que palpita, con una fuerza extraordinaria, la vitalidad y el sentido profundo de nuestro oficio.

El proyecto Muestra en 5 actos, compañías y/o grupos emergentes, es una iniciativa que surge por el interés de la dirección artística de la Muestra Nacional de Teatro, por seguirle la pista a las jóvenes compañías y/o grupos que han surgido en estos últimos años y que ya nos han sorprendido en otras ocasiones y al mismo tiempo tratar de ubicar las propuestas que se nos presentan, dentro del marco de la convocatoria de la “Muestra”. Si bien sabemos que hoy en día el ser joven o ser calificado como el “L´enfant terrible” o “joven promesa” ya no es, en si un argumento a priori que implique una calidad especial,- sabemos que las estrellas del arte contemporáneo, saltan de la cuna a caminar por las paredes de los museos más famosos del mundo-. Pero entendemos también que la juventud sí es una fuerza, un impulso, como la ha sido siempre.
La virtud de estas manifestaciones escénicas es saber trasladar ideas y conceptos al escenario y llevar a buen fin proyectos escénicos, además de lograr que éstos tengan una resonancia más allá de los sus círculos cercanos, lo cual no es tarea fácil.
Esta mirada implica la perspectiva del investigador, que debe de saber observar como se han ido transformado, o no a lo largo del tiempo, los procesos creativos y como se manifiestan en nuestros días, la sensibilidad creativa de las nuevas generaciones de creadores entre “la oscilación y la angustia de las influencias” y el deseo profundo de encontrar voces propias dentro del universo escénico y todo lo que esto pueda significar.

¿Cómo darle lugar a esto?, se nos ocurre que mostrándolas en un conjunto. Enfrentándolas a si mismas, confrontando sus dilemas en relación a las tensiones implícitas en la creación del teatro, dentro del juego mismo de la escena y los procesos históricos y de renovación.

Dirección Artística XXVIII Muestra Nacional de Teatro.
Zacatecas, Noviembre 2007.

Importante: Este programa se compone de cinco espectáculos que se presentan en el orden que se enlista y que compartirán el mismo espacio.
La duración total del programa es aproximadamente de seis horas.

ZOOTANOS

Grupo Luna Avante
Procedencia Distrito Federal
Autoría y dirección: Luna Avante

REPARTO:

Diana Fidelia
Bernardo Gamboa
Abigail Soqui
Leonardo Ortízgris

ZOOTANOS, es una tragedia contemporánea que desentierra y expone violentamente las relaciones pasionales de tres hermanos, que viviendo “en medio de ninguna parte” combaten entre crímenes familiares.

Con esta historia, Luna Avante lanza a la escena su interpretación y síntesis dramática de las esencias temáticas de la tragedia clásica, tomando el trabajo del actor como su base principal.

Duración: 50 minutos.

Intermedio: 10 minutos

EL 27

Grupo El Ático
Tijuana, Baja California
Autor: Enrique Saint Martín
Director: Manuel Hernández
Escenógrafo: Jesús Quintero

REPARTO:

Eduardo Corpus
Cristóbal Dearie
Manuel Hernández
Nadia López
Enrique Saint Martín

CREATIVOS Y REALIZADORES:

Realización El grupo
Vestuario El grupo
Diseño de iluminación Manuel Hernández
Musicalización Enrique Saint Martín y Manuel Hernández
Diseño gráfico Alejandro Ruiz y Manuel Hernández
Producción Grupo Ático

EL 27, aborda la historia de Pepe, un paciente que sale de coma después de 13 años y es diagnosticado con amnesia general. Otros exámenes demuestran un alto IQ e indicios de violencia contenida, presentando un cuadro de probable esquizofrenia. En su afán por recordar de dónde viene y quién es imagina en su pasado, a un joven locuaz e irreverente. Este encuentro desencadena una serie de enredos cuando Pepe trata de evitar que el resto de sus conocidos lo crean loco.

Duración: 50 minutos.

Intermedio: 10 minutos

NO TOCAR

Grupo: Teatro Cardinal
Santiago de Querétaro, Querétaro
Autor: Enrique Olmos
Director: Paulino Toledo
Iluminador y escenógrafo: Manuel Bautista

REPARTO:

Azuay López
Ariadna Islas

NO TOCAR, es una obra breve interpretada por dos actrices que presenta el tránsito de dos niñas en una situación de abuso sexual, en la cual ambas ven trastornada su relación, sin saber cómo enfrentar dicha condición. La obra pretende mostrar a los niños, una situación de abuso no limitada al ámbito sexual y promover en los adultos la conciencia y respeto hacia los niños, de manera que a partir de la reflexión, se posibilite un acercamiento entre el adulto y el niño.
NO TOCAR se hizo acreedora a la mención honorífica en el certamen de dramaturgia Manuel Herrera 2006, fue finalista en el Premio Iberoamericano de Dramaturgia y participó en la Quinta Muestra de la Joven Dramaturgia 2007, en Santiago de Querétaro.
Duración: 50 minutos.

Intermedio: 10 minutos

LOS PERROS

San Pedro de las Colonias, Coahuila
Grupo : La Gaviota
Autor: Elena Garro
Director: Gerardo Moscoso

REPARTO:

Manuela Nancy Sosa
Úrsula Lesly Cervantes
Primo Javier Henry Serrano
Tejón Pablo Mercado

Escenografía: Henry Serrano
Iluminación: Oscar Caldera
Asistente de dirección: Alejandro Alvarado

Gerardo Moscoso llega a la comunidad de San Pedro de las Colonias Coahuila, municipio que tiene la fama de ser el mayor picadero de heroína del país, para lanzar una convocatoria abierta y formar el grupo de teatro La Acequia ahora La Gaviota. Los integrantes del grupo son trabajadores de las maquiladoras, campesinos y estudiantes que han encontrado en el teatro una forma de expresión congruente con sus ideales de transformación social a través del arte.
Duración: 50 minutos.

Intermedio: 10 minutos

EN EL MISMO BARCO

Distrito Federal
Grupo: Lagartijas tiradas al sol
Creación colectiva

REPARTO:

Jimena Ayala
Francisco Barreiro
Rocío Bengoa
Luisa Pardo
Gabino Rodríguez
Luís Rosales

CREATIVOS Y REALIZADORES:

Muebles y utilería: Úrsula Lascurain
Iluminación: Carlos Guzmán
Video: Yulene Olaizola
Diseño gráfico: Juan Leduc y Jimena Ayala
Asesoría en bosque: Marco Rountree
Coordinación general: Luis Pardo y Gabino Rodríguez
Asistente general: Mariana Villegas

También participaron en el proceso: César Ríos y Pablo Enciso

EN EL MISMO BARCO, trata de seis jóvenes que intentan hacer un plan para cambiar algo de su realidad, pues hay cosas que los incomodan y que los lastiman. Al mismo tiempo se confiesan sus miedos, sus sueños, deseos y recuerdos. Un grupo vulnerable a la difícil tarea de ponerse de acuerdo, reflejo de la humanidad en una pequeña sociedad de amigos.

Esta obra parte de algunas interrogantes que nos han acompañado desde nuestro montaje anterior y que tienen una relación directa con nuestra vida cotidiana y con nosotros como seres sociales. ¿Cómo nos organizamos en grupo los seres humanos? Nos proponemos hurgar en los modelos que han imaginado un mundo más justo, más feliz.

Esta obra busca una continuidad con lo explorado en “Asalto al agua transparente”: partir de una situación concreta que padecemos o disfrutamos actualmente como sociedad y encontrar sus por qués, sus cómos, sus quiénes.

A partir de una perspectiva generacional, exploramos las relaciones de convivencia dentro de un grupo de jóvenes y las contrastamos con sus ideales políticos y sus anhelos individuales.
Duración: 50 minutos.

Final del programa

Teatro del IMSS
Viernes 23 de noviembre, a partir de las 18:30 hrs.

OFELIA MEDINA INVITA

2007-12-04T12:52:00.001-08:00

Amig@s y compañer@s ,

El Fideicomiso para la salud de los niños indígenas de México, conocido como “el Fideo” y El Circulo Teatral

los invitan a participar en el Bazar, tocada y palomazo a beneficio de los niños indígenas desplazados de Chiapas.

Habrá subasta de obras de arte, venta de artesanías, espectáculos, deliciosa comida, ponche y mucho amor.

Se presentarán entre otros: Ofelia Medina, Jesusa Rodríguez, Liliana Felipe, Sasha Sokol, Gimena Jiménez Cacho,

Alberto Estrella, Víctor Carpintero y muchos artistas más.

Participen hechándose un palomazo, vendiendo besos o bailes, que la causa lo amerita e inviten a sus conocidos y amigas.

Aprovechen para comprar sus regalos navideños, comer y divertirse.

Gracias a ustedes desde hace 10 años el Fideicomiso para la salud de los niños Indígenas de México brinda 1500 alimentos diarios

en los campamentos de desplazados de Acteal, Takiukum, Tzanemblon y Polho en Chenalho.

La cita es el sábado 8 de diciembre de las 13:00 hrs. en adelante.

en el

Circulo Teatral

Veracruz 107 col Condesa, México D.F.

TEL: 55531383- 55535039

Vengan con su familia habrá diversión para todos.

POR LYDIA CACHO // POR LA JUSTICIA

2007-12-04T12:49:00.000-08:00

Si la suprema corte sepultó los agravios contra Lydia Cacho, sepultémos nosotros a la suprema corte.
Invitamos a todas las personas indignadas por la resolución de la suprema corte contra las garantías individuales de Lydia Cacho y con ella, de todos los mexicanos, a protestar el próximo martes 4 de diciembre a las 4 de la tarde en la puerta de la suprema corte en Pino Suárez y Plaza de la Constitución.
Por favor traigan costales, bolsas o camiones de tierra, velas o lo que cada quien pueda, para sepultarla definitivamente.
Atte. Resistenciacreativa@gmail.com
Jesusa Rodríguez.

2007-11-27T18:46:00.000-08:00

2007-11-27T18:34:00.000-08:00

El sueño de Erdal // Por Alberto Lima

2007-11-14T07:58:00.000-08:00

El sueño de Erdal

Por Alberto Lima

Esa misma noche, después de darle de cenar a Erdal —el gato turco que Udo le obsequiara después de un viaje a Estambul—, El joven con espinas en los costados pensó en lo difícil que debería resultar para un germano como Udo pronunciar la palabra Nezahualcóyotl.

Esto no es un libro
Escuela Dinámica de Escritores. Taller de Mario Bellatin
Colección Editorial El Zocalo, Gobierno del Distrito Federal
México, D.F., 2007.

Muestra Nacional de Teatro / Apuntes y etcéteras hacia una idea de dirección artística. // Juliana Faesler // Revista PASO DE GATO

2007-10-12T23:58:00.000-07:00

A manera de preámbulo:

He oído a muchos opinar que la Muestra Nacional de Teatro debería desaparecer ya que el resultado en su conjunto generalmente “nos desilusiona”. Por estos comentarios, cada año se pone en tela de juicio el ejercicio. En mi opinión, desaparecerla sería como declarar infructuosas las reuniones familiares. Todos sabemos que en estos convivios los hermanos se reencuentran, se reconoce a los patriarcas o se les impugna, se exponen las afinidades o las rivalidades, las traiciones se descubren, las antiguas rencillas acaloran los ánimos, los patrimonios se arrebatan, se mancillan las herencias y, claro, por dinero y poder, todos somos capaces del asesinato —¿quién podría negarlo?—. Y todo esto sucede bajo la mirada taimada de la familia ampliada.
En estas “fiestas familiares” el sublevarse o rebelarse; insultarse y reconciliarse es el orden obligado del día y todos sabemos que estos sobresaltos se reducen finalmente a puras llamaradas de petate. Al calor de las copas todos los mexicanos entonamos una ranchera y nos abandonamos al tequila - que tiene la virtud de limar suavemente los toscos bordes de la realidad, de nuestra realidad.

I
Las artes escénicas, es decir, el texto en movimiento, el movimiento del cuerpo en el silencio, la quietud, la luz, los límites del espacio, es decir, todo lo que conforma el fenómeno escénico es, —y lo hemos leído hasta el cansancio—, un espejo de la vida, como lo son también muchas otras expresiones artísticas. Pero tal vez lo que convierte al teatro en una manifestación insólita y lo separa de las otras artes es el hecho de que el teatro es —durante la representación— la única manifestación de esta naturaleza donde podemos ser testigos de la vida, del transcurrir de la existencia. Esto no sucede en ninguna otra exposición, por el simple hecho de que el teatro sucede en el instante y está vivo. Es como sentarse en el asiento del metrobus y, desde el solitario lugar del que observa, ser testigo de la vida misma y, como en las artes escénicas, de su increíble diversidad de propósitos y sencillez.

II
Muestra. (De mostrar.)
1. f. Porción de un producto o mercancía que sirve para conocer la calidad del género. 2. f. Parte o porción extraída de un conjunto por métodos que permiten considerarla como representativa de él. 3. f. Ejemplar o modelo que se ha de copiar o imitar; como el de escritura que en las escuelas copian los niños. 4. f. Señal, indicio, demostración o prueba de algo.
hacer ~. 1. loc. verb. Manifestar, aparentar.
pasar ~. 1. loc. verb. Registrar algo para reconocerlo. 2. loc. verb. Mil. pasar revista.1

III
Existe en nuestro país un evento, un “algo” que nos gusta llamar Muestra Nacional de Teatro, la nombramos así desde hace ya veintiocho emisiones y al pensar detenidamente en ella uno se pregunta: ¿qué es en realidad una “muestra”? ¿Es posible extraer “muestras” de lo que es el producto teatral de nuestro país? Para realizar tal ejercicio, ¿existe una imperiosa necesidad de saber quiénes somos en conjunto, de reconocernos como una comunidad concreta a través de un conjunto de “muestras”?
En este contexto, cada proyecto que asiste al evento se convierte en un ejemplar específico de su lugar de origen, una caja de petri que contiene organismos vivos que son puestos en el microscopio del macro; y sí, a veces, al no pasar la prueba, pensamos/creemos/sentimos que la muestra o las muestras han muerto en el trayecto.
Tenemos que tener claro que “las muestras” que se presentan dentro de la programación son entidades particulares con características específicas que hablan de su entorno, de su situación, de su universo propio. ¿Acaso en “el macro” hablen también del cuerpo del que irremediablemente forman parte? Por otro lado, sabemos bien que “las muestras” en nuestro país generalmente tienen rebabas, les vemos la costura, se manifiestan inciertas en factura, forma, fondo y demás. En todo ello también hay una identidad particular y un pathos. Es imperioso aceptarnos como somos: enfrentar nuestra identidad ligada al derroche y la escasez, al genio y a la mediocridad, a la necesidad de expresar sentimientos de marginación, desamparo y olvido, en contraste con el bello, elegante y muchas veces indiferente silencio de la forma. Creo que todavía no hemos aprendido a reconocernos dentro del universo de claroscuros y de contrastes que es nuestro teatro: memoria en evolución de nuestro país.

IV
Nacional.
1. adj. Perteneciente o relativo a una nación. 2. adj. Natural de una nación, en contraposición a extranjero.
Nación. (Del lat. natio, -onis.)
1. f. Conjunto de los habitantes de un país regido por el mismo gobierno. 2. f. Territorio de ese país. 3. f. Conjunto de personas de un mismo origen y que generalmente hablan un mismo idioma y tienen una tradición común. […] 5. m. Arg. (poco usado) Hombre natural de una nación, contrapuesto al natural de otra.2

V
Lo que sigue, por fuerza, es saber si en realidad todos constituimos un todo, una Nación Teatral Democrática, si podemos aprender a vernos como un conjunto de voces, con agendas diferentes, valores diferentes y, por otro lado, descubrir lo que nos une como factor común. ¿Hablamos todos de lo mismo? ¿Existe una agenda tácita de asuntos que trasminan las visibles divergencias y que nos hacen sonreír al calor de las copas en el transcurrir de las madrugadas?
El conjunto de proyectos que se proponen para ser seleccionados se nos muestra/revela como un caleidoscopio de intereses, de búsquedas —a veces éstas son tan personales que resulta imposible emitir un juicio de valor justo sobre proyectos que, en una primera instancia y desde la visión de un teatro “bien hecho”, de “primera línea”, quisiéramos desechar—. Sucede que hay de todo y se evidencia que el mexicano es esencialmente teatral. Lo somos desde nuestros orígenes, desde nuestros cultos, usos y costumbres. El mexicano se expresa en el escenario de la vida —llamémosle calle, pared, plantón, manifestación, fiesta, celebración religiosa, informes presidenciales, etcétera— y lo traslada con una frecuencia inquietante al escenario.

VI
Como Nación nos interesarían “las artes escénicas” en tanto factor determinante en el desarrollo del espíritu, la educación y la posibilidad de construir cultura. El teatro debería ser fundacional dentro de las corrientes artísticas —elemental en toda progresión como Nación—, debería ser indispensable. Debería retratar en grandes trazos lo que somos y en minuciosos apuntes nuestras particularidades. Sí, nos gustaría que nuestro teatro se posicionara como pieza fundamental dentro de ese gran rompecabezas que es la indomable cultura de nuestro país, y que la Muestra… fuera un componente esencial, piedra de toque, ruptura o apuntalamiento de las grandes líneas que se trazan en el mundo de las artes como lo fue en algún momento de nuestra historia…

VII
Teatro. (Del lat. theatrum, y éste del gr. qeatron, de qeasqai, mirar.)
1. m. Edificio o sitio destinado a la representación de obras dramáticas o a otros espectáculos públicos propios de la escena. 2. m. Sitio o lugar en que se realiza una acción ante espectadores o participantes. 3. m. Escenario o escena. 4. m. Lugar en que ocurren acontecimientos notables y dignos de atención. 5. m. Conjunto de todas las producciones dramáticas de un pueblo, de una época o de un autor. 6. m. Literatura dramática. 7. m. Arte de componer obras dramáticas, o de representarlas. 8. m. Acción fingida y exagerada. 9. m. (poco usado). Práctica en el arte de representar comedias.3

VIII
El teatro, las artes escénicas —lo sabemos—, es muchas cosas. Es en realidad un universo inasible. ¿Está muerto? Pues no, no en México. La interdisciplina, los híbridos y las expresiones liminales están también a la orden del día. Uno de los ejercicios interesantes sería ver si, como gremio, grupo o congregación, hemos crecido hacia una democracia y tenemos el valor de reconocer expresiones que no están necesariamente vinculadas de modo directo con nuestro quehacer.
En México, se dice, hemos vivido sólo dos momentos de ejercicio democrático incontestable: la elección de Madero y la elección de Fox; y aunque la segunda duele mucho, es una historia que hemos construido todos. Habría que hacernos responsables de lo que somos. Dejar de culpar a las instituciones por nuestra incapacidad, dejar de ser súbditos. Tendríamos que ser libres.
¿Podemos ahora, por ejemplo, salir del closet y hablar en público de las otras teatralidades? ¿Observar y aprender a leer a ese otro ser que crece en nuestras aulas y que se preocupa por otras formas de expresión, que viaja en otros universos “parateatrales”, que muchas veces están más en otro lado que en el nuestro pero que son a pesar de todo nuestros?
El ejercicio interesante sería observarnos ahora con una mirada histórica y no desde el delirio mezquino de lo que queremos defender como “teatro” y, además “bien hecho”, que tanto daño hace a nuestro teatro, o desde posiciones que celosamente resguardamos al estilo corporativo del siglo pasado. Hay que observar/juzgar cuidadosamente aquello que no entendemos, aquello que se nos escapa. Mirarnos en un contexto incluyente para analizar las estéticas encontradas, las rupturas, los opuestos, las tradiciones. Clavarnos en la diversidad —en nuestra diversidad cultural—, caminar por los contornos y tratar de descifrarnos como un todo dentro de este tan cacareado mundo global.
Vengamos todos a darnos de codazos —con El huapango de Moncayo como música de fondo—. Juntémonos a echar un vistazo por ese macro-microscopio que es la “Muestra Nacional de Teatro” y dejemos que la vida —las artes escénicas— se manifieste como es: indescifrable, finita, efímera. Aprendamos a leer en lo imperfecto, en el caos del conjunto la expresión de un pensamiento.

México, D. F., 2007

1 Diccionario de la Lengua Española, 22ª ed., Real Academia Española, 2003.
2 Ibid.
3 Ibid.

Publicado en
Revista PASO DE GATO
AÑO 6 / # 31
OCTUBRE / NOVIEMBRE / DICIEMBRE 2007
www.pasodegato.com

La inquietante semana de las mujeres traducidas

2007-10-04T20:01:00.001-07:00

DESPUÉS-ANTES / BEFORE-AFTER
*
16

16.Traducida: Juliana Faesler
Desde: D.F., México.

Before

After

domingo, septiembre 09, 2007

- 2.36 am. Being…
- Yo, you.
- ¿Ella?

Primero: the state of existing.

- Alguien se encuentra aquí/adentro.
- No importa quién, estoy aquí: I am here también.
- ¿Me sostienes?
- I do.

Segundo: somebody’s essential nature or character.

- Se desbarata mi camisa.
- Standing here, I can see the end of your sleeve. I have the scissors.
- Empieza por recortar el contorno del botón.
- Siento/ steel / toco, una secuencia en movimiento que rumora el filo.
- Nunca te he visto la cara. The face.
- Has visto el cuello. Has sentido el algodón, el ojal, el bies. Los puños.
- Your hands.
- ¿Y la muñeca?
- Your hands from the writs. Yes.

Tercero: a living thing, especially one conceived of as supernatural or not living on earth

- Tierra. Wet earth
- Tus dedos en la tierra. La muñeca gira con el instrumento.
- Wet fabric.
- Recorta cuidadosamente ese bóton.
- Las tijeras.
- What?
- Ten cuidado. Escucha su trazo. Listen.
- Just let el movimiento dibujar the sounds.

Cuarto: a human individual- ¿Puedes olerme?
- Sí. I do.
- Bésame.

¿=?

II

3.36 am. trans•la•tion n
- ¿Vuelves?
- I try to look at you.
-¿But vuelves?.
-That kiss.

Primero: A word, phrase, or version in another language that has a meaning equivalent to that of the original.

- Tengo en mi mano un botón pegado a un trozo de tela como un pezón perdido.

Segundo: The rendering of something written or spoken in one language in words of a different language.

- Me río…
- Del agua…
- Lemonade?
- Gracias.

Tercero: A change in form or state, or transference to a different place, office, or sphere.

- Are you there, todavía?
- I cannot see you.
- Hay mucha luz.

Cuarto: The process by which information in messenger RNA directs the sequence of amino acids assembled by a ribosome during protein synthesis.

- Quédate quieta mientras te beso.
- Quédate quieta mientras te jalo/deslizo/arrastro.
- Me llevas.
- Don’t move.
- There is nothing to hold to.
- A little button.
- Siéntelo pequeño.
- Sus orificios. The tread that goes through.
- El hilo en mis dientes.
- Te encuentro adentro/ahí.
- I do not know you.

Quinto: The movement of a body in a straight line so that every point on the body follows a parallel path and no rotation takes place.

[ Juliana Faesler ]

en 14:25

http://semanamujerestraducidas.blogspot.com/2007/09/despus-antes-before-after_09.html

FIAC/Reviven a Nezahualcóyotl//José Luis Meza

2007-08-12T12:15:00.000-07:00

Reviven a Nezahualcóyotl

José Luis Meza

Nezahualcóyotl, el monarca de Texcoco que dirigió a más de 100 mil soldados para recuperar su trono, el de los billetes de 100 pesos, el de la sala de conciertos de la UNAM.
Todas las derivaciones simbólicas del Rey Poeta (1402-1472), tan conocido y desconocido a la vez, fueron la materia prima del espectáculo “Nezahualcóyotl. Ecuación teatral de memoria y tiempo”, de la compañía mexicana La Máquina de Teatro.

Con un planteamiento donde se entrelazan el pasado y el presente, el colectivo, dirigido por la reconocida Juliana Faesler, trajo su colorido, ágil y rico montaje al Teatro Manuel Doblado, como parte de la programación escénica del Festival Internacional de Arte Contemporáneo.

El espectáculo de La Máquina de Teatro cobra vida a través de cinco actores, que no representan a un solo personaje, ni siquiera a Nezahualcóyotl, que en cada episodio es encarnado indistintamente por Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Natyeli Flores o Alam Sarmiento.

Sobre una plataforma rodeada por cinco grandes bloques de color rojo, transcurre la pieza que evoca la vida de Nezahualcóyotl, el hijo de Ixtlixóchitl y Matlalcihuatzin, que siendo adolescente tuvo que huir y esconderse en cuevas y bosques ante la invasión de Texcoco por los tepanecas.

Narrando los acontecimientos en tercera persona, o bien representando las acciones de bulto, el quinteto actoral pareciera simplemente estar recreando una biografía legendaria, con un estilo vivaz, pero grave y serio; muy de teatro ritual; hasta que paulatinamente se van introduciendo gozosas disgresiones contemporáneas dentro de la historia.

Cuando los actores comienzan a platicar si era más adecuado traducir Nezahualcóyotl como “Coyote que ayuna” que como “Coyote hambriento” o cuando, al sentar al Rey Poeta en su trono recuperado, le dan consejos que parecieran estar dirigidos a gobernantes actuales (como no construir megabibliotecas sólo por ego), la escenificación adquiere un nuevo rostro, crítico, irónico y muy chispeante.

La “ecuación escénica de memoria y tiempo” se vuelve entonces un recorrido histórico-antropológico por Ciudad Nezahualcóyotl, esa ciudad nacida de la desecación del Lago de Texcoco que no existía hace unos 60 años y que ahora apenas puede darle cabida a 2 millones de habitantes: con sus topes omnipresentes y sus calles con nombres de canciones.

Con exquisitez, gracia e inteligencia, los personajes enlazan la historia de un monarca que encabezó la Triple Alianza y un período de prosperidad y gran progreso humanístico en su pueblo; con las deformaciones “glocales” de la ciudad bautizada con su nombre: Neza York y Minezota.

“Nezahualcóyotl” se vuelve tanto homenaje como divertimento, un momento donde caben tanto una “cascarita” callejera de juego de pelota y un paseo en microbús, como las poesías legadas por el monarca texcocano que gustaba de recordar la fugacidad de la vida y de que “aunque sea de jade, se rompe”.

El espectáculo de la compañía mexicana extiende sus aciertos no sólo a lo dramático y actoral, sino también a su esmerada producción, donde resaltan especialmente el vestuario, el maquillaje de los intérpretes (en estilo guerrero mesoamericano), la vistosidad de los tocados (el de Huitzilopochtli está hecho de globos).

Espacio de reflexión sobre cómo lo local se hace global y viceversa, el FIAC parece ser un escenario propicio para la propuesta teatral de Máquina de Teatro y Juliana Faesler; un recordatorio de cómo la voz de Nezahualcóyotl perdura para llegar mucho más allá de sus señoríos texcocanos.

http://www.am.com.mx/Nota.aspx?ID=154269&strPlaza=Leon&IDPlaza=1

Reparte Nezahualcóyotl nostalgia, poesía, crítica y humor // Por Pablo Saldaña

2007-08-11T00:11:00.000-07:00

Reparte Nezahualcóyotl nostalgia, poesía, crítica y humor

Estrena obra Juliana Faesler en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón

Rey Poeta, billete, sala de conciertos y ciudad, las evocaciones
Por Pablo Saldaña

México (Aunam). El escenario emulaba al Espacio Escultórico de Ciudad Universitaria, la sala poco a poco quedaba en penumbras y unas tonalidades carmesí invadían la vista. Era un viaje al pasado prehispánico, pero también a nuestra realidad y a los alucines suburbanos: Nezahualcóyotl, en todas sus formas, se hizo presente.

El Rey Poeta tomaría forma, nos contaría su infancia y la trágica muerte de su padre, sus aventuras para ocupar el trono de Texcoco, gobernar con justicia, su poesía y morir luego de varias tragedias familiares; todo con una ambientación sonora que hacía imaginar el contexto natural de aquella época y gran vistosidad en el vestuario.

Quien escribiera “Amo el canto del cenzontle, pájaro de cuatrocientas voces. Amo el color del jade y el exquisito perfume de las flores. Pero amo más a mi hermano: el hombre”, sería el tema de esta emotiva puesta en escena. Pero no sólo él, y quizá sólo él.

La obra escrita y dirigida por Juliana Faesler, Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos, va más allá y habla de las evocaciones que hoy en día tiene el nombre de quien contruyera el primer acueducto para la Ciudad de México. Uno a uno pasaron acontecimientos por todos conocidos con un toque de sátira, drama y “pasón”.

Entonces apareció ante el público la historia de “Neza York”, desde los tiempos lacustres hasta los terregales y el regreso forzoso del artificial lago vía civilización o inundación desmedida. “Minezota”, otro de los muchos nombres de Ciudad Neza, nos hablaría de miedo, inseguridad, pobreza, muerte; mezclados con multiculturalidad, colorido y fiesta.

A bordo de un "chimeco”, los cinco actores, quienes dan vida a millones de personajes a lo largo de la obra, enseñan el lado humano de una ciudad perdida, con todos los matices que el humano mismo tiene. Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Natyeli Flores, Roldán Ramírez y Alam Sarmiento derrochan entusiasmo durante 90 minutos en los que, gracias a ellos, no cabe la distracción o el aburrimiento.

Nezahualcóyotl es un relato de lo que fuimos y somos, con respaldo en una investigación histórica seria y la cosmovisión mesoamericana como punto de partida. Hay globos, trajes estrafalarios, calaveras parlanchinas y hasta un muñeco de acción que representa al poeta chichimeca.

El público pasa del asombro al suspenso y de la observación sería a la risa abierta fácilmente; las sonrisas, en particular, llegan cuando, utilizando las referencias históricas del rey texcocano, se alude a la actualidad política y social de un país que añora tiempos pasados. Sobre todo cuando se descubre que el hijo de Ixtlixóchitl era científico, filósofo, artista y gustaba del buen gobierno.

La música que rodea este viaje hacia el interior del ser mexicano fue compuesta por Bishop y Jesús Delgado utilizando instrumentos autóctonos y mezclas digitales que dan como resultado un buen trabajo sonoro.

El vestuario también fue especialmente diseñado para la puesta en escena por Edyta Rzewuska, quien utilizó materiales orgánicos y reciclados que sin duda logran un impacto visual efectivo por su similitud con lo fantasioso y lo cotidiano.

Todo se engloba en una original forma de contar una biografía entrelazada con las posibilidades que llegan a la mente al escuchar “Nezahualcóyotl”. Seguramente por eso los comentarios de los asistentes, al final de la obra, son positivos, con promesa de recomendación incluida.

Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario los días jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00; hasta el ocho de junio. Una obra que no debe perderse ni olvidar: “Aunque sea jade se quiebra, aunque sea oro se rompe, aunque sea plumaje de quetzal se desgarra... no para siempre en la tierra: solo un poco aquí”.

http://macrom.fortunecity.es/blog/entry11.html

2007-08-05T12:37:00.000-07:00

Nezahualcóyotl / Actualización de nuestras raíces // Eugenia Galeano Inclán

2007-07-29T20:16:00.000-07:00

Nezahualcóyotl.
Actualización de nuestras raíces.
Eugenia Galeano Inclán

La cuarta pared

Juliana Faesler, mujer joven de gran talento, polifacética, visionaria, de excelencia teatral, ha decidido voltear hacia el pasado y escribir "Nezahualcóyotl Ecuación escénica de memoria y tiempos", en colaboración con la compañía la Máquina de Teatro y los actores. Denotándose un profundo estudio de la historia del personaje elegido y mucho trabajo de mesa con opiniones y propuestas, logran encontrar la solución perfecta a esta ecuación.

Aún se conservan unas treinta composiciones poéticas suyas en las colecciones de manuscritos de cantares prehispánicos y, según el historiador Miguel León Portilla en "Nezahualcóyotl, poesía y pensamiento" (edición 1972), los temas que desarrolla son "la fugacidad de cuanto existe, la muerte inevitable, la posibilidad de decir palabras verdaderas, el más allá y la región de los descarnados, el sentido de flor y canto, el enigma del hombre frente al dador de la vida y la posibilidad de vislumbrar algo acerca del inventor de sí mismo".

Sin lugar a dudas, la vida y el sentimiento de Nezahualcóyotl son mucho ejemplares, por lo que no nos extraña que Juliana Faesler haya optado por él y que, junto con La Máquina de Teatro, nos ofrezca una propuesta escénica que lo refleja fielmente, haciéndonos ver también que en cualquier época las injusticias, los odios, las envidias, están presentes tanto como la fe, la esperanza y el deseo de salir adelante, dando pie al cuestionamiento que se lee en el programa de mano: "¿Somos él y sus contemporáneos y ellos son nosotros?". En algunas partes de la obra pasado y presente se entrelazan.

Los actores Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Alam Sarmiento y Natyelli Flores desempeñan un trabajo magnífico en su conjunto, intercambiándose los personajes a lo largo de la obra. Destacan Clarissa Malheiros y Diana Fidelia, cuyas interpretaciones son siempre excelentes, con gran interiorización y tremenda intensidad, aparte de su indiscutible corporalidad. La colaboración artística de Gerardo Trejoluna y la asesoría en danzas y ritmos prehispánicos a cargo de Luis Felipe Bautista brindan apoyo al movimiento escénico de los actores.

Tanto el diseño de vestuario a cargo de Edyta Rzewuska como el diseño y realización de tocados a cargo de Sebastián Romo resultan fabulosos y originales. La pintura corporal de los actores y el uso de máscaras sirven para ubicarnos mejor en aquellos remotos tiempos. El diseño sonoro creado por Bishop y Jesús Domínguez es totalmente adecuado.

La presentación de la Máquina de Teatro dice: "Nuestro teatro es más sobre las ideas y el pensamiento que un ejercicio dramático, es más sobre la memoria y nuestra historia que teatro; es teatro porque abordamos la palabra; es movimiento porque abordamos el gesto; es visual porque investigamos la imagen; es interdisciplinario porque nos dejamos intervenir por todo lo que nos rodea". Nosotros agregaríamos que tiene muy bien puesto el nombre porque cuidan que todos los engranajes de la máquina embonen en forma perfecta para hacerla funcionar correctamente y ofrecernos el tipo de teatro que siempre es grato ver.

Recomendamos muy ampliamente "Nezahualcóyotl Ecuación escénica de memoria y tiempos".

"Nezahualcóyotl…" se presenta los jueves y viernes a las ocho de la noche, los sábados a las siete de la noche y los domingos a las seis de la tarde en el Teatro Juan Ruíz de Alarcón del Centro Cultural Universitario, en Insurgentes Sur N° 3000. La temporada inició el 24 de mayo y concluirá el 8 de julio de 2007.

"Nezahualcóyotl…" nos permite conocer no sólo la vida y proezas de este antepasado nuestro sino también su palabra, a través de sus poemas, lo cual es muy importante pues la poesía refleja el alma y el sentir interno de quien la escribe. Para ello, Juliana también crea el espacio escénico que, a pesar de ser austero, cumple perfectamente su función y sin distracciones visuales nos hace sentir la grandeza de este guerrero incansable. La iluminación, también a cargo de Juliana, es excelente y propicia el entorno adecuado. La puesta en escena es verdaderamente espectacular y cuando aparece la efigie de Nezahualcóyotl en proscenio, el público queda absorto.

¿Quién fue Nezahualcóyotl? Nació y murió en Texcoco, su padre fue Extlilxóchitl, sexto señor de los chichimecas, y su madre Matlalcihuatzin, hija de Huitzilíhuitl, segundo señor de Tenochtitlan. Su familia y él fueron exiliados por Tezozomoc y, al morir su padre en una batalla, Nezahualcóyotl sólo tenía dieciséis años. No obstante su edad, desde ese momento tomó las riendas de sus seguidores, recomendándoles que obedecieran a Tezozómoc mientras él buscaba la manera de liberarlos de la tiranía. Tezozomoc ofreció grandes recompensas a quienes entregaran vivo o muerto al joven príncipe, pero Nezahualcóyotl logró sortear todos los peligros con audacia e inteligencia.

La muerte de Tezozomoc no puso fin a la persecución del rey poeta, pues Maxtla, quien sucedió a su padre, la continuó encarnizadamente.Fernando de Alva Ixtlixóchitl, su nieto, dice en su Historia chichimeca que Nezahualcóyotl, a lo largo de su vida, mató por su mano a 12 reyes, incluyendo a Maxtla, participó en 30 batallas y nunca fue vencido ni herido; sujetó 44 reinos; nombró generales a 43 de sus hijos y al cuadragésimo cuarto lo mandó matar por soberbio y belicoso. Reunió a todos los sabios y filósofos de su tiempo y alcanzó a saber que había un solo Dios verdadero, al que llamó Tloque Nahuaque; castigó los delitos con rigor, "especialmente a las personas de calidad y que habían de dar ejemplo a las demás", y fue misericordioso y agradecido.

Además de sus batallas, Nezahualcóyotl fue un precursor de la ecología, siempre preocupado por el medio ambiente y por el bienestar de su gente. En el bosque de Tezcutzinco protegió los árboles, captó los manantiales, condujo el agua por los montes, introdujo el riego, labró albercas en las rocas, plantó flores, propagó especies animales y escribió poemas.

Aún se conservan unas treinta composiciones poéticas suyas en las colecciones de manuscritos de cantares prehispánicos y, según el historiador Miguel León Portilla en "Nezahualcóyotl, poesía y pensamiento" (edición 1972), los temas que desarrolla son "la fugacidad de cuanto existe, la muerte inevitable, la posibilidad de decir palabras verdaderas, el más allá y la región de los descarnados, el sentido de flor y canto, el enigma del hombre frente al dador de la vida y la posibilidad de vislumbrar algo acerca del inventor de sí mismo".

Sin lugar a dudas, la vida y el sentimiento de Nezahualcóyotl son mucho ejemplares, por lo que no nos extraña que Juliana Faesler haya optado por él y que, junto con La Máquina de Teatro, nos ofrezca una propuesta escénica que lo refleja fielmente, haciéndonos ver también que en cualquier época las injusticias, los odios, las envidias, están presentes tanto como la fe, la esperanza y el deseo de salir adelante, dando pie al cuestionamiento que se lee en el programa de mano: "¿Somos él y sus contemporáneos y ellos son nosotros?". En algunas partes de la obra pasado y presente se entrelazan.

Los actores Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Alam Sarmiento y Natyelli Flores desempeñan un trabajo magnífico en su conjunto, intercambiándose los personajes a lo largo de la obra. Destacan Clarissa Malheiros y Diana Fidelia, cuyas interpretaciones son siempre excelentes, con gran interiorización y tremenda intensidad, aparte de su indiscutible corporalidad. La colaboración artística de Gerardo Trejoluna y la asesoría en danzas y ritmos prehispánicos a cargo de Luis Felipe Bautista brindan apoyo al movimiento escénico de los actores.

Tanto el diseño de vestuario a cargo de Edyta Rzewuska como el diseño y realización de tocados a cargo de Sebastián Romo resultan fabulosos y originales. La pintura corporal de los actores y el uso de máscaras sirven para ubicarnos mejor en aquellos remotos tiempos. El diseño sonoro creado por Bishop y Jesús Domínguez es totalmente adecuado.

La presentación de la Máquina de Teatro dice: "Nuestro teatro es más sobre las ideas y el pensamiento que un ejercicio dramático, es más sobre la memoria y nuestra historia que teatro; es teatro porque abordamos la palabra; es movimiento porque abordamos el gesto; es visual porque investigamos la imagen; es interdisciplinario porque nos dejamos intervenir por todo lo que nos rodea". Nosotros agregaríamos que tiene muy bien puesto el nombre porque cuidan que todos los engranajes de la máquina embonen en forma perfecta para hacerla funcionar correctamente y ofrecernos el tipo de teatro que siempre es grato ver.

Recomendamos muy ampliamente "Nezahualcóyotl Ecuación escénica de memoria y tiempos".

http://www.lacuartapared.com/Index_archivos/portada_archivos/6neza.html

Nezahualcóyotl / Historia muy teatral // Hugo Hernández

2007-07-21T12:37:00.000-07:00

foto©carlaverea

Historia entretenida

Hugo Hernández

El Universal

Viernes 29 de junio de 2007

Este espectáculo es un buen ejemplo de lo que significa abordar hoy un tema histórico y hacerlo accesible, entretenido, divertido y muy teatral

Cuando uno ve en la cartelera que se anuncia una obra que se llama Nezahualcóyotl, y se anticipa que es una "ecuación escénica de memoria y tiempos", la verdad es que uno se imagina algo aburrido, denso, excesivamente "intelectual" y pretencioso; sin embargo, se trata de todo lo contrario.
Sí, este espectáculo es un buen ejemplo de lo que significa abordar hoy un tema histórico y hacerlo accesible, entretenido, divertido y muy teatral.

Justo es reconocer, antes que nada, el trabajo de la creadora del mismo, Juliana Faesler, quien es autora (en colaboración con la compañía La Máquina del Teatro), directora, escenógrafa e iluminadora, y en cada rubro su labor es destacada.

Nezahualcóyotl es una puesta en escena que habla a un mismo tiempo del soberano de Texcoco y del municipio que hoy ostenta su nombre; que habla también del devenir histórico de esa parte de la metrópoli y de los muchos problemas que enfrenta por su crecimiento.

A manera de un gran rompecabezas, con elementos múltiples elementos actorales, dancísticos, gestuales, musicales, sonoros, visuales e incluso títeres, el montaje va entrelazando su relato sin perder un segundo la atención del espectador.

La simple y al mismo tiempo muy versátil escenografía, que lo mismo es un talud prehispánico, que un juego de pelota, o una pared para escalar, permite que el montaje tenga un ritmo vertiginoso que empata a la perfección con la interrelación narrativa que se plantea.

Evidentemente parte esencial del buen resultado recae en los hombros del elenco, compuesto por cinco jóvenes actores.

Una felicitación para todo el equipo que participa en Nezahualcóyotl, un montaje que todo mundo debería ver.

http://www.eluniversal.com.mx/guiaocio/vi_357133.html

La obra "Nezahualcóyotl." llegó a su fin.

2007-07-13T16:59:00.000-07:00

foto©lamaquinadeteatro

En Escena

Develan placa porque la obra "Nezahualcóyotl." llegó a su fin

Lunes, 09 de Julio de 2007

México (Notimex).- Ante más de 700 personas reunidas en el teatro Juan Ruiz Alarcón, del Centro Cultural Universitario, Juliana Faesler, directora del montaje "Nezahualcóyotl.

Ecuación escénica de memoria y tiempos", en compañía del equipo técnico y de producción, develó la placa conmemorativa del fin de esa la puesta en escena.

Faesler explicó que este montaje es el primero de una trilogía que pretende realizar sobre grandes personajes de la cultura mesoamericana, entre ellos Moctezuma y La Malinche.

"Comenzó con Nezahualcóyotl, porque fue un hombre sabio que destacó como poeta y arquitecto y vivió la plenitud de la cultura mesoamericana, cuando Texcoco era una especie de paraíso", explicó.

"Tiene como punto de partida la historia del rey poeta, hijo de Ixtlilxóchitl y también lo que la palabra Nezahualcóyotl nos denota hoy en día", indicó.

Adelantó que esta puesta será llevada a algunos foros y teatros, en Ciudad Nezahualcóyotl, en el Estado de México, en donde se ofrecerán 15 representaciones.

A través de Nezahualcóyotl, la compañía teatral la "Máquina de Teatro", conformada por Clarisa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Natyeli Flores y Alam Sarmiento, se ve como la historia se entrelaza con el presente, además de que sus intérpretes van contando historias de la vida cotidiana de uno de los municipios mexiquenses más pobres y poblados del país.

Por espacio de tres meses, el teatro Juan Ruiz de Alarcón fue el recinto donde reinó dicho soberano, nacido en 1402, personaje que canta a la primavera, celebra el nacimiento de las flores y la llegada de la temporada de lluvias, pero que, al mismo tiempo, se aflige por el carácter transitorio de lo mundano, anhela la persistencia más allá de la muerte y ruega porque las criaturas vivas no se marchiten.

En el montaje, Faesler logra poner la historia en movimiento con una propuesta visualmente fuerte porque, a través del humor, sus personajes provocan la risa de nosotros mismos, de los creadores, del mundo, de la ironía que es la historia, de lo triste que es la vida cotidiana y el momento político actual.

El público es llevado por la historia, a través de constantes brincos temporales, lo mismo presencia a los texcocanos en una travesía por canoa, que a los habitantes de "Neza", en un peligroso viaje en microbús.

De igual manera puede observar un enfrentamiento de juego de pelota prehispánico con pobladores nezahualcoyenses.

Develan placa porque/dos/nezahualcoyenses. . Sobre Nezahualcóyotl, explicó la directora, "es un cruce entre el mundo contemporáneo y el mundo que nosotros podemos interpretar en los códices".

"Es un mundo que tiene su propia estética y en el que se utilizan elementos de la vida cotidiana, como globos para realizar los penachos.

Es una mezcla entre lo que nosotros creemos que es y lo que tenemos alrededor, como los escudos que están realizados con tapones de automóviles", añadió.

En 90 minutos, el montaje no sólo conduce al público por la epopeya del rey de Texcoco, sino también lo transportará por la problemática actual de Ciudad Nezahualcóyotl.

La música de la puesta es creación de Bishop y Jesús Delgado, con intervenciones de instrumentos autóctonos, como conchas, teponaxtle, caracoles y en segundo plano ambientes sonoros que crean los propios intérpretes.

El vestuario a cargo de Edyta Rzewuska busca salir de lo cotidiano, a partir de elementos orgánicos y materiales reciclados, que sean próximos a la realidad que vivimos.

Nezahualcóyotl (1402-1472) fue gobernador de Texcoco e hijo del sexto señor de los chichimecas Ixtlilxóchitlo, "Flor de pita", y de la princesa mexica Matlalcihuatzin, hija del rey azteca Huitzilíhuitl, segundo señor de Tenochtitlán.

Al nacer le fue impuesto el nombre de Acolmiztli o "León Fuerte", pero las tristes circunstancias que rodearon su adolescencia hicieron que se cambiara el nombre por el de Nezahualcóyotl, que significa "Coyote Hambriento".

http://www.elporvenir.com.mx/notas.asp?nota_id=144852

Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos

2007-07-07T06:41:00.000-07:00

Foto©carlaverea

20 de junio de 2007
BOLETÍN DE MEDIOS CDC SC 301
SECRETARÍA DE COMUNICACIÓN

Continúa en escena la obra Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos

*En el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario

**Hasta el 8 de julio

Gracias a la puesta en escena Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos , que estrenó la compañía La Maquina del Teatro, bajo la dirección de Juliana Faesler, el Teatro Juan Ruiz de Alarcón es el recinto donde reinará durante tres meses un soberano chichimeca nacido en 1402, personaje que canta a la primavera, celebra el nacimiento de las flores y la llegada de la temporada de lluvias, pero que, al mismo tiempo, se aflige por el carácter transitorio de lo mundano, anhela la persistencia más allá de la muerte y ruega porque las criaturas vivas no se marchiten.

La puesta en escena no sólo conducirá al público por la epopeya del príncipe de Texcoco sino también lo transportará por la problemática actual de Ciudad Nezahualcóyotl, uno de los municipios mexiquenses más densamente poblados y pobres, conocido también como Ciudad Neza o Neza-York, un territorio semiárido, salado y sin recursos naturales, de 63.44 kilómetros cuadrados, de los cuales 50.57 son de uso urbano y donde se ubican 86 colonias con un total de 2 millones de habitantes.

Juliana Faesler explicó que este montaje es el primero de una trilogía que pretende realizar sobre grandes personajes de la cultura mesoamericana. Comenzó con Nezahualcóyotl, porque fue un hombre sabio que destacó como poeta y arquitecto y vivió la plenitud de la cultura mesoamericana, cuando Texcoco era una especie de paraíso.

Faesler logra pone la historia en movimiento con una propuesta visualmente fuerte porque, a través del humor, sus personajes nos permiten reírnos de nosotros mismos, de los creadores, del mundo, de la ironía que es la historia, de lo triste que es la vida cotidiana y el momento político actual.

El público es llevado por la historia a través de constantes brincos temporales, lo mismo presencia a los texcocanos en una travesía por canoa, que a los habitantes de Neza-York en un peligroso viaje en microbús. De igual manera, puede observar un enfrentamiento de juego de pelota prehispánico con pobladores nezahualcoyenses.

Consciente de la dificultad que implica recrear el universo estético prehispánico y de que el teatro no es cine, la compañía se propuso llamara la atención del público con un trabajo alegórico, sobre todo porque no creyeron que el teatro realista pudiera funcionar en este tipo de universo.

Así, la estética de Nezahualcóyotl, explica la directora, es un cruce entre el mundo contemporáneo y el mundo que nosotros podemos interpretar en los códices. “Es un mundo que tiene su propia estética y en el que se utilizan elementos de la vida cotidiana, como globos para realizar los penachos. Es una mezcla entre lo que nosotros creemos que es y lo que tenemos alrededor como los escudos que están realizados con tapones de automóviles.

Y el peregrinaje del príncipe chichimeca se recrea sobre una plataforma cuadrada delimitada al fondo por grandes paneles rectangulares de color rojo que, separados, dejan un espacio negro por donde aparecen y desaparecen los distintos personajes que se vuelven multitudes con el manejo de luces que reproducen sus negras sombras sobre los paneles.

Príncipe sabio

Nezahualcóyotl, gobernador de Texcoco (1402-1472), fue hijo del sexto señor de los chichimecas Ixtlilxóchitlo "flor de pita" y de la princesa mexica Matlalcihuatzin, hija del rey azteca Huitzilíhuitl, segundo señor de Tenochtitlán.Al nacer, le fue impuesto el nombre de Acolmiztli o "león fuerte", pero las tristes circunstancias que rodearon su adolescencia hicieron que se cambiara el nombre por el de Nezahualcóyotl que significa "coyote hambriento".

La sobre población y falta de alimento, ya en aquella época, hicieron que Tezozomoc al frente de los tepanecas de Azcapotzalco conquistaran Texcoco por lo que Nezahualcóyotl, a la edad de 16 años, se vio obligado a esconderse en el bosque de Chapultepec por varios años para poder recuperar su reino.

Al recuperar su trono, demostró toda su sapiencia en el campo de las ciencias, las artes y la literatura. Edificó diversos palacios, monumentos, acueductos, y jardines, siendo su creación más esplendorosa un soberbio palacio, de baños tallados en la roca, así como el acueducto que construyó en el Bosque de Chapultepec para abastecer de agua potable a Tenochtitlán. De su obra literaria se conservan alrededor de treinta composiciones poéticas en las que no sólo aprovecha la belleza de la lengua náhuatl, sino que muestra una profunda filosofía que ya en su tiempo le valió el epíteto de "sabio".

Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000, CU), los jueves y viernes, a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas. Costo del boleto $100.00 y 50% con credencial vigente UNAM e INAPAM.

Nezahualcóyotl // Olga Harmony

2007-07-05T14:32:00.000-07:00

Foto©carlaverea

Nezahualcóyotl

Olga Harmony

La Jornada

La Máquina del Teatro está formada por Juliana Faesler y Clarissa Malheiros, quienes para sus escenificaciones invitan a otros actores y actrices, sobre todo jóvenes con mayor o menor trayectoria. Ahora presentan Nezahualcóyotl con texto de Juliana Faesler en colaboración con la compañía, lo que hace suponer que se fue construyendo con ideas e improvisaciones de los actores participantes. Como en la mayoría de las propuestas de Faesler, la creación escénica priva sobre la narración dramática, pero el resultado es, a mi entender, el más logrado por la teatrista. Si el nombre de Nezahuacóyotl tiene para nosotros el doble significado de la historia del rey poeta y del municipio mexiquense –sin olvidar la sala de conciertos en el Centro Cultural Universitario y los billetes de 100 pesos– la autora juega con todos sus significados en esta “Ecuación histórica de memoria y tiempos”, primera parte de una trilogía que tiene preparada.

En estos tiempos en que existe la tendencia de privar a los escolares, en los planes de estudio prevalecientes, de gran parte de su historia, resulta de primera importancia volver a la memoria de lo que somos a través de los contrastes entre el esplendor pasado gracias al rey justo de Texcoco y la precariedad de vida de grandes sectores de la población, sin intentar maniqueísmos de ninguna especie, con el humor presente, por ejemplo, en los consejos que se le hacen a Nezahualcóyotl al asumir el trono. La historia antigua empieza desde la muerte de Ixtlixóchitl a manos de Tezozómoc, rey de Azcapotzalco, y la huida del príncipe destronado –lo que lleva la mayor parte del tiempo– y sus batallas hasta reconquistar el trono. Se hacen presentes los dioses Tezcatlipoca y Huitzilopochtli, pero lo más interesante es la leve presencia, un poco como fantasmas del presente, de habitantes de la llamada Ciudad Neza –como sería Clarissa Malheiros como vieja con delantal de ama de casa de clase media baja y otros atisbos– hasta llegar a la fundación del municipio y la escena del microbús, en que se recita algún poema del rey poeta, entreverados siempre con la historia de Nezahualcóyotl, que culmina con su asunción al trono.

En una escenografía de la autora y directora consistente en seis bloques rectangulares ligeramente inclinados, se va desarrollando la acción con el elenco que incorpora varios roles. Todos son, en un momento dado, Nezahualcóyotl, aunque casi siempre éste es interpretado por Diana Fidelia, todos son dioses o enemigos en una realidad cambiante que exige gran precisión por parte de los actores, en un ritmo acelerado que por momentos se detiene para ofrecer algún monólogo, como los de la actriz mencionada o de Roldán Ramírez. La salida del príncipe del templo que lo resguarda, dado por una especie de parto por la falda de Clarissa Malheiros –quien de alguna manera aparece como la conductora del conjunto– contrasta con las traviesas alusiones a la sala de conciertos (“aquí a la vuelta”) cercana al teatro en que se escenifica y la mención del billete de 100 pesos dará pie a las escenas del municipio conurbado, con lo que los tiempos se entretejen y al mismo tiempo se dan algunas rupturas casi brechtianas. Esto último apoya la lectura del texto que invita, sobre todo, a reflexionar en el lastimoso presente de mucha gente, no sólo de Ciudad Neza tomada como ejemplo, en contraste con la historia de un rey justiciero del pasado, muestra del deber ser de todo gobernante. Se trata de un texto y un montaje de clara intención social y política como lo hacen ver las declaraciones de la autora en entrevista con Carlos Paul para La Jornada y como se desprende del hecho escénico mismo, al mismo tiempo que es el inicio de una búsqueda de nuestra identidad cultural, lo que no se puede hacer sin analizar pasado y presente.

El vestuario de Edyta Rzewuska no es fiel a los cánones de lo usado en tiempos prehispánicos, pero la estilización concuerda con esa mezcla de tiempos que propone la autora, así como los tocados de Sebastián Romo –el de Huitzilopochtli es de globos alargados– y los ritmos y danzas prehispánicos con asesoría de Luis Felipe Bautista en contraste con la expresión corporal de los actantes en la escena del micro. Se contó con la asesoría en historia de Berenice Alcántara, el diseño sonoro de Bishop y Jesús Domínguez, la colaboración de Gerardo Trejoluna, la realización del bello títere de Fernando García Ortiz y completan el reparto, además de las actrices y el actor mencionados, Natyeli Flores y Alam Sarmiento.

http://www.jornada.unam.mx/2007/07/05/index.php?section=opinion&article=a06a1cul

Nezahualcóyotl es la primera ... // Carlos Paul

2007-07-05T11:09:00.000-07:00

foto©carlaverea

Nezahualcóyotl es la primera parte de una trilogía teatral de Juliana Faesler

En escena, ''cómo entendemos hoy nuestras raíces e identidad cultural''

CARLOS PAUL

Con la premisa de que ''la historia la hacemos nosotros" y que ''existe un pasado perdido en la melancolía y un presente que entendemos poco", la creadora escénica Juliana Faesler propone el proyecto teatral Trilogía mexicana, el cual busca reflexionar sobre lo que somos como individuos y sociedad.

No se trata sólo de hablar de México o de lo mexicano, sino de explorar el significado de conceptos como cultura, identidad, historia, nacionalismo y sus diferentes combinaciones, como identidad nacional, cultura histórica e identidad cultural.

La idea es poner en escena cómo es que entendemos realmente todos estos conceptos en nuestros días.

''Es un hecho que en la actualidad el régimen reduce cada vez más de los planes de estudio los capítulos sobre la historia de México", expresa la también escenógrafa.

''En realidad, qué tanto saben y, sobre todo, qué piensan los niños y jóvenes sobre los personajes y hechos históricos mesoamericanos que conforman nuestras raíces. Parecería que nombres como Texcoco, Pantitlán, Xicoténcatl, se quedan en nomenclatura de calles."

Con este proyecto "se intenta explorar los vínculos entre el mundo prehispánico y contemporáneo, por medio del contraste y la semejanza, para así acercarnos a una noción de identidad".

Líneas entretejidas en el tiempo

Trilogía mexicana estará integrada por el montaje titulado Nezahualcóyotl, ''nombre que tiene muchas referencias, desde una sala de conciertos y un billete de 100 pesos, hasta el que 120 calles en el país llevan ese nombre. Sin embargo, Nezahualcóyotl nos remite de inmediato a dos cosas: al príncipe poeta, hombre justo, rey de Texcoco, y a Ciudad Neza, abreviatura coloquial de uno de los municipios del estado de México.

''Aquí de lo que se trata es de exponer dos existencias: la de uno y la de muchos", apuntó Faesler. Nezahualcóyotl por un lado ''representa el esplendor de la cultura mesoamericana, y Ciudad Neza, poblada por personas de todo el país, es reflejo de la situación político-social de la realidad actual de México, en la que violencia, impunidad y corrupción están presentes".

La obra ''no es formal ni solemne, tiene diversos momentos de humor, pues nos permitimos jugar con la historia contemporánea y dichos conceptos, mediante líneas entretejidas en el tiempo'', explica Faesler.

La segunda parte de la trilogía, proyectada para 2008, llevará como título Moctezuma, ''aquí estará la historia del encuentro, de lo opuesto, de lo diferente". Este montaje conjugará ópera y teatro. Malinche será el título de la tercera y última parte. ''Por su complejidad histórica será la conclusión de la investigación. Es el puente entre lo que existió y el final, ya que Malinche para muchos es traición, para otros es ejemplo. Esta obra estará basada en una serie de ensayos escritos por Margo Glantz. Será un especie de teatro-documental".

http://www.jornada.unam.mx/2007/06/28/index.php?section=cultura&article=a06n1cul

Sobre Nezahualcoyotl // La Tempestad

2007-07-05T05:49:00.000-07:00

http://www.latempestad.com.mx/online/joomla/index.php?option=com_content&task=blogcategory&id=310&Itemid=508

Horizontes Imaginarios // Luz Emilia Aguilar Zinser

2007-07-03T09:39:00.000-07:00

Horizontes Imaginarios ¿Cómo llegamos aquí?

Luz Emilia Aguilar Zinser

En el panorama del teatro mexicano actual, que en su diversidad muestra un franja extensa y vistosa de puestas en escena producidas con refinamiento visual y seductores efectos de producción, pero en las que campea una pobreza de contenido, una vanalidad que apabulla, la presencia de Nezahualcóyotl, ecuación escénica de memoria y tiempos, de Juliana Faesler, anima el corazón y estimula el entendimiento. La directora de la Compañía La Máquina de Teatro emprende un recorrido de reflexiones, investigación histórica y reconocimiento del presente, para hacer de la paradoja encerada en el vocablo Nezahualcóytl una memorable experiencia teatral.

La voz Nezahualcóyotl nos remite al gobernante de Texcoco, hijo de Ixtlixóchitl y padre de Nezahualpilli, y quien quedó huérfano en la adolescencia, anduvo perseguido y errante en luchas intestinas y reconquistó el poder que le correspondía. Nezahualcóyolt, que vivió de 1402 y 1472, llega a nuestra olvidadiza memoria colectiva como un héroe constructor, protector de la naturaleza, que ejerció el poder con generosidad y justicia. Pero el vocablo Nezahualcóyotl nos lleva a la vez a una zona marginada de la ciudad de México, que representa lo contrario de las bondades del gran poeta de Texcoco y en cuya miseria vemos desplegada hoy la aterradora degradación de nuestros valores colectivos, la estupidez y podredumbre del ejercicio del gobierno que ha marcado la historia de México del último siglo, que hunde a las mayorías en una desgarradora humillación y falta de esperanzas.

Entre el universo prehispánico y los mexicanos de hoy media un abismo de incomprensión y desconocimiento que parecen irremontables. Si bien los españoles no acabaron con la población que hallaron en estas tierras, exterminaron su cultura: destruyeron documentos, templos, casi todo vestigio de la organización y la historia de esos pueblos.

Ha sido una tarea arriesgada indagar en esas raíces desde el teatro. Los intentos suelen derivar, casi sin remedio en extraños resultados, entre lo acartonado y lo folklórico. Es inquietante la imposibildad de representar ese pasado. Para su temeraria aventura de volver a pisar esos territorios agrestes, Faesler partió de una minuciosa investigación en lo que se sabe y se ha especulado del legendario Nezahualcóyotl, de quien narra su vida en el arranque de su puesta en escena, intento que nos pone a los espectadores en el titubeo frente entrar y no a la ficción y nos enfrenta a la distancia, la complejidad de recordar esa serie de nombres, hechos y situaciones de los poderosos en el siglo XV en la cuenca donde ahora se asienta nuestra ciudad. Pronto da un vuelco y va introduciendo crecientes dosis de presente, con alusiones de filoso sentido crítico, ironía, y un audaz humor, que arranca las carcajadas del público mientras clava dolorosas espinas en su conciencia y en su corazón.

La puesta en escena ofrece un sobrio y seductor universo de luz, texturas y formas, en diseño de Juliana Faesler, con vestuario de Edyta Rzewuska, en que la historia se despliega con la libertad, el salto de imágenes, personajes, atmósferas y situaciones de un sueño. Con el avance de la obra el espectador se va haciendo cómplice de las convenciones teatrales que propone la directora, de las palabras y acciones de un texto organizado por ella misma en colaboración con la compañía. Los actores Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Nayeli Flores y Alam Sarmiento, pasan en un suspiro de uno a otro personaje, encallando por un momento, de manera deliberada en su propia identidad, en un eficiente desempeño, en el que juega un papel importante el lenguaje corporal.

Al terminar la función quedé invadida por una mezcla de felicidad y tristeza. Felicidad por haber presenciado el más logrado trabajo teatral, un salto, síntesis de sus afanes y esfuerzos, de una mujer de teatro a la que he observado, desde la butaca, en su apasionada búsqueda, a lo largo de más de diez años, por plantear importantes preguntas, conjugar un lenguaje estético y hacer del escenario un espacio de juego y lucidez. Me sentí triste por reconocerme parte de una realidad nacional que en su insensatez nos pone frente a la abismo y clava la angustiosa pregunta: ¿Cómo hemos llegado aquí? ¿Cómo hacer para darle un cauce más esperanzador a nuestro camino?

Entre las ofertas de la cartelera hoy, esta obra, que corre temporada de jueves a domingo en el teatro Juan Ruiz de Alarcón, es sin duda una de las mejores opciones.

Nuevo Exelsior

“Nezahualcóyotl” // Estela Leñero Franco

2007-06-30T18:05:00.001-07:00

foto©carlaverea

“Nezahualcóyotl”

Estela Leñero Franco

Hablar de nuestros antepasados sobre el escenario y no caer en el lugar común no es
cosa fácil, y Juliana Faesler en el espectáculo que actualmente se presenta en el
teatro Juan Ruiz de Alarcón obtiene resultados halagadores.
Sin hacer una recuperación arqueológica pero tampoco ignorándola y sin
contarnos la historia como libro de texto, aunque también haciéndolo, Nezahualcóyotl
nos transmite un sentimiento de nostalgia y contemporaneidad.
Visualmente la obra de teatro es atractiva y múltiple, porque en la apariencia
estética prehispánica se esconde una mezcla de tradición y actualidad. El juego de
pelota es un partido de básquetbol, el penacho de Huitzilopochtli está hecho de globos
alargados y la víbora de Quetzalcóatl es inventada con las manos.
La propuesta recurre a la iconografía de los códices y de las vasijas de barro,
adquiriendo corporeidad y color a través de los actores. Sus movimientos, las
posiciones estáticas y la forma de caminar o bailar responden al universo
prehispánico, figuras vivas, gozo estético.
En Nezahualcóyotl se representan dioses y personajes del pasado. La leyenda
del rey de Texcoco, desde una perspectiva épica, mantiene un hilo conductor dentro
de la fragmentación y el azar. El vencedor puede ser el vencido, el dios convertirse en
poeta y todos los personajes pueden ser Nezahualcóyotl para ser ensalzado o
humillado frente al enemigo.
Si bien la primera parte consigue solidez dentro de la improvisación y
construcción dramática, en el segundo fragmento los contenidos se superficializan y la
propuesta neohistórica –elaborada bajo una ardua investigación que avala y dota de
verdad lo que sugiere– se desdibuja y desvirtúa. El personaje mítico y su universo –
vuelto calles, pueblos y estaciones de Metro dentro de nuestro imaginario– cae en el
paradigma de ciudad Neza, y aunque la asociación es lógica, el texto pierde fuerza y
se vuelve didáctico y lleno de consignas. La obra terminaba antes; tal vez cuando se
hace presente Nezahualcóyotl en forma de muñeco, tipo Barbie, porque después el
desglose del viaje en camión, el accidente y la enumeración narrativa de historia
mezcladas con protestas pierde lo teatral que tenía la primera parte. La obra se afloja,
aunque la propuesta en su conjunto sea original.
La escenografía e iluminación de Juliana Faesler es brillante y como imán nos
prende de esos muros inspirados en el espacio escultórico de la UNAM. Aquí su
centro no es un óvalo de lava pedregosa, sino una plataforma cuadrada con un vértice
en proscenio, y todo al rojo vivo, es un volcán en erupción. La iluminación es precisa,
concentrada, de sus mejores, y es capaz de aislar, crear caminos, reinterpretar,
eludiendo con fortuna los oscuros entre escenas. Porque la obra es ágil, sin
descansos, sin pausas que hundan el ritmo; hay tiempos suspendidos y silencios, pero
el acontecer no cesa y como un río salta entre las piedras o descansa en lo profundo.
Los actores y la directora proponen una estética de movimiento, un trabajo interno y
corporal que nos dice que no hay vacío, que están llenos de energía Clarissa
Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Natyeli Flores y Alam Sarmiento, con
vestuarios de Edyta Rzewuska. Clarissa Malheiros, que comparte con Juliana la
dirección de su compañía La Máquina de Teatro, consigue ocultar su tono de
extranjera –que tanto molestaba en otras puestas en escena– y resalta la creación y
contundencia de su movimiento.
Nezahualcóyotl invita a vivir en carne propia el pasado en el presente.
Sentimos nuestra ciudad; este país que olvida sus orígenes o que los vuelve folclor.
Nezahualcóyotl es una obra audaz y propositiva, difícil en su amalgamamiento y con
su propia poética, como la del protagonista.

Proceso 1600, del 1 al 8 de julio de 2007.

Noche y Día / Neza en escena // Sergio González Rodríguez

2007-06-30T17:59:00.000-07:00

foto©carlaverea

Noche y Día / Neza en escena

Por

Sergio González Rodríguez

Más allá del peso de lo inmediato, que en la escena mexicana logra obtener amplia resonancia, en especial, cuando se explota el visceralismo, las tensiones sexuales, lo abyecto, el encierro y la alienación urbana, se ubicaría la propuesta de Juliana Faesler en el teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario.
Potenciada por un texto que acude a lo narrativo para evocar el mito del rey-poeta prehispánico y su vigencia contemporánea, la obra Nezahualcóyotl, que lleva como subtítulo "Ecuación escénica de memoria y tiempos", ofrece a los espectadores un montaje hiperdinámico, casi se diría vertiginoso, para enfrentar el desafío de la historia mexicana en un ámbito urbano en cuya profundidad vive y, de pronto emerge, el pasado con toda su dificultad y vigor.
Inspirada en la gravitación de lo pretérito que al mismo tiempo es actualidad hiriente, un hecho que puede atestiguarse en el perímetro del Centro Histórico de la Ciudad de México, la multitud, las voces, la música antigua, los danzantes que conviven con los vendedores ambulantes de mercancías plásticas, la obra Nezahualcóyotl no sólo es la simple escenificación de un texto narrativo, como podría malinterpretarse, sino que, por el acierto dramático, representa un puente reflexivo acerca de la incomodidad de un legado cultural que, desde las visiones "progresistas", secularizadas y deificadoras de la razón, se tiende a abandonar. O a desdeñar de antemano.
Una de las ideas de la obra Nezahualcóyotl consiste en reflejar el tránsito de la gente que va y viene por nuestra historia en la cauda de un mito fundacional. Por lo tanto, en la escena se despliega la energía actoral en una dinámica fluida y proteica semejante a la presencia de los mitos, una suerte de sustancia que envuelve y penetra lo cotidiano para desposeerlo de su endeblez.
El ejercicio escénico se muestra desde luego ajeno a toda pulsión retro o nostálgica. Configura más bien una aproximación a la materia viva que debe llevar consigo la cultura en la actualidad: representar un mito es vivirlo, o tratar al menos de verlo reflejado a la luz de lo visible aquí y ahora. El instante de instantes que Octavio Paz evocaba en su poesía.
La tarea de Juliana Faesler evita a su vez cualquier enfoque reverencial o solemne respecto del mito que aborda, como también lo evade ante el propio personaje-guía. Su empeño comprensivo de la historia, que tiende a lo sintético y lo emblemático, a lo ilustrativo y lo crítico, expone una postura contemporánea que implica cierto desafío a contracorriente de los valores al uso, y se niega a soslayar el substrato profundo del pasado como si se tratase de una época nociva y cancelada.
¿Cómo logra lo anterior? En primer lugar, mediante un texto directo y, al mismo tiempo, ambiguo. En segundo lugar, por la articulación de una puesta en escena cuya estrategia consta de evocaciones y convocaciones de una materia dura, el mito, que se traduce y cobra vida a través de la maleabilidad del juego actoral, en el que se distingue Clarissa Malheiros, y que utiliza los arquetipos al igual que la ironía, las alusiones a sucesos actuales o sarcasmos diversos.
La fatalidad, el dolor, la guerra, la venganza, la sumisión, la muerte, las pasiones profundas que imitan los hombres de los dioses, aparecen con su poder despiadado, que se contrasta con la irrupción de lo contemporáneo para insertar una vigencia tan incisiva como desconcertante. De pronto, Nezahualcóyotl es Ciudad Neza y su asentamiento irregular en la tierra salitrosa de lo que antes fue el lecho de un lago, asiento de la desigualdad y la barbarie modernizadora. Como expresan los personajes: "Hay casi 2 millones de habitantes. En 1949 eran dos mil... Ciudad Neza es conocida también como NeZayork, NeZatown, NeZachusets... y MineZota... El dinero en Neza viene de los de allá... Del otro lado... O del narco... No es cierto, no chingues, el dinero en Neza es de Neza. Aquí por cada casa hay cinco comercios... Hay gente que nunca ha salido de aquí. Nunca".
Juliana Faesler continúa como una de las más interesantes protagonistas de la nueva cultura mexicana.

http://busquedas.gruporeforma.com/reforma/buscador/DocumentoImpresa.aspx

Nezahualcóyotl / El legendario príncipe busca su identidad // Martin López Brie

2007-06-22T00:45:00.000-07:00

foto©carlaverea

Nezahualcóyotl

El legendario príncipe de Texcoco busca su identidad y sin tomárselo muy en serio.

Martin López Brie

Chilango *****

Género: Alternativo Director: Juliana Faesler, Autor: Juliana Faesler, Reparto: Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Natyeli Flores, Alam Sarmiento, Foro: Teatro Juan Ruiz de Alarcón Días y horarios: jue y vie 20hrs, sáb 19hrs, dom 18hrs. Costo del boleto: $100 .
Pero.. ¿Quién fue Nezahualcóyotl? Y peor aún ¿Quién es ahora? ¿Un municipio marginal? ¿Un billete de 100 pesos? ¿Una calle? ¿Un monito en una monografía?

Nos han dicho que fue príncipe y que fue poeta, poco más sabemos de él, y poco queda de aquel señorío soberbio que debe haber sido el de Texcoco, empezando por su lago. Estos son los temas que se exploran en la obra, cuyo eje conductor es la historia del príncipe, desde el asesinato de su padre por orden de Tezozomoc y la persecución de los tepanecas, enviados por el tirano Maxtla, hasta la triple alianza y conquista de Azcapotzalco, momento en que empiezan sus años de gobierno, periodo que también se nos refiere en la obra, a modo de narración abreviada, casi como un epílogo.

Y sin embargo el montaje, bajo la dirección de Juliana Faesler, no pretende solo contarnos esta historia del pasado lejano, si no a partir de ella hacer una “ecuación escénica” la cual reflexiona sobre unas raíces que ya no sabemos reconocer, sobre el sentido y vigencia de una sensibilidad e ideologías perdidas, sobre los pedazos que han quedado de ellas en el México moderno. Sin una estructura convencional, y sustentado en un rigor plástico espléndido, el montaje acude a todo tipo de recursos para transitar entre la anécdota, la reflexión, la ironía, el ritual, la comedia, la danza prehispánica, el simbolismo... y lo fantástico es que los recursos no se agotan, y los actores, desempeñando un magnífico papel todos ellos, encuentran siempre la manera de sorprendernos y darle la vuelta a lo que ya habían planteado.

Quizás hay algunos baches en el ritmo del montaje, momentos en que la atención se distiende, que el ingenio escénico parece agotado y el discurso poco interesante, pero todos ellos son superados siempre por una vuelta de tuerca que reformula las cosas y devuelve vigor al escenario.

Es teatro del bueno, sin concesiones y que consigue mantener atento al espectador, provocarlo e invitarlo a pensar un poco, haciéndolo cómplice del pasado y en el mejor de los casos, conciente de su presente.

Por qué ir: Para ver teatro de excelente factura, sin concesiones, y de paso conocer algo sobre el príncipe de Texcoco.

http://www.chilango.com/espectaculos/teatro/nezahualcoyotl

今週注目の演劇 NEZAHUALCOYOTL

2007-06-19T16:24:00.001-07:00

foto©carlaverea

今週注目の演劇

NEZAHUALCOYOTL

演出：JULIANA FAESLER,
主な出演者：CLARISSA MALHEIROS, DIANA FIDELIA, NATYELLI FLORES, ROLDAN RAMIREZ, ALAN SARMIENTO
場所：TEATRO JUAN RUIZ DE ALARCON, CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO, INSURGENTES SUR 3000
日時：木、金　20：00、土　19：00、日　18：00
販売、情報：5622-7160
〜ひとくちメモ〜
アステカを統治したネツッワルコヨトルの名前を持つ人物、通りなどで起こる様々な出来事をいくつかの場所に分けて演じる。

http://www.lmexico.com/keizai/com/cine.htm

El rey poeta de Neza York // Enrique Cerón

2007-06-19T16:13:00.000-07:00

Foto©carlaverea

El rey poeta de Neza York

Enrique Cerón

El Economista

Sumergirse en las aguas del tiempo, esas que todo lo mezclan, que todo lo igualan, es la aventura que nos muestra la compañía La Maquina que nos sumerge con ellos en busca de Nezahualcóyotl.
Un ensayo escénico en busca del nuestras raíces, de nuestro pasado mítico nos conecta por igual con el pasado y el presente, con la grandeza y la desolación; así es el árbol de la vida que hunde sus raíces en el inframundo al mismo tiempo que eleva sus ramas al sol.

Ahí en el remolino de las aguas del tiempo que giran sobre si mismas al grito: Nezahualcóyotl, Neeeezaaahualcóoooyotl, responden por igual la historia de la infancia del rey poeta señor de Texcoco, una sala de conciertos, a un billete de 100 pesos o a una ciudad-muncipio que es la sombra y espejo de la cuidad de México.

Con un texto colectivo de Carla, Juliana Faesler y la compañía: desfila ante el espectador la infancia del rey poeta, las diferentes guerras intestinas que tuvo que librar para evitar le arrebataran el poder, con el excelente maquillaje, la gestualidad, las reflexiones y la cosmovisión de mundo náhuatl.

Pero eso es sólo una de las caras del tiempo que muestra su simultaneidad primero a través del intercambio de roles sobre el escenario por parte de los actores pero después al aparecer la historia del país, la de la marginación, las voces de los vendedores del mercado de San Juan (el mas grande de Ciudad Nezahualcóyotl), las autoridades que venden terrenos a muy bajo precio (pero sin drenaje, luz y agua), las voces de los chóferes de los autobuses suburbanos: los "chimecos". Ahí también cuando se habla de "Neza York", de Mi-Nezota" aparece la mano invisible del rey que agita su vara para que baile el verde de la hierba.

Excelente iluminación, maquillaje y vestuario realizado con material reciclado.

"Nuestro teatro es más sobre el pensamiento y las ideas que un ejercicio dramático, es más sobre la memoria y nuestra historia que teatro; es teatro porque adoptamos la palabra, es movimiento porque abordamos el gesto, es visual porque investigamos la imagen, es interdisciplinario porque nos dejamos intervenir por todo lo que nos rodea": Compañía La maquina.

http://laplaza.eleconomista.com.mx/plaza2005.nsf/(all)/5AE7463025FB023F862572F30081F39E?OpenDocument

Si Neza no hubiera muerto

2007-06-19T15:52:00.000-07:00

Teatro
Si Neza
no hubiera muerto

El Teatro Juan Ruiz de Alarcón, ubicado en el Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000), tiene una de las mejores obras de teatro actuales: Nezahualcóyotl. Ecuación escénica de memoria y tiempos, escrita, dirigida y montada, todo eso, por la sublime Juliana Faesler. Actúan Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Natyelli Flores, Roldán Ramírez y Alám Sarmiento. Una remembranza del rey poeta, exiliado, guerrero y asesinado arteramente por el rey de Azcapotzalco (tenía que ser). Muy buena. $100 general, $50, credencial UNAM e INAPAM.

http://www.eme-equis.com.mx/071MXOCIO.html

Nezahualcóyotl sorprendente equilibrio // Bruno Bert

2007-06-19T15:45:00.000-07:00

foto©carlaverea

Nezahualcóyotl sorprendente equilibrio

Tiempo Libre

Bruno Bert

El nombre Netzahualcóyotl evoca al mexicano contemporáneo desde el personaje histórico del rey poeta, hasta una de las zonas más densas y conflictivas de nuestra capital, pasando por una importante sala de conciertos de la UNAM, diversas poblaciones del país y un cúmulo de avenidas. Y esto sólo para no hilar demasiado fino. A todo ello ahora se suma un espectáculo así llamado que estrena Juliana Faesler, con su grupo La máquina de teatro, en la sala Juan Ruiz de Alarcón.
Tema difícil por lo abigarrado, los textos proceden de la propia directora (que además es responsable de la escenografía e iluminación) en colaboración con su equipo, posiblemente a través de un cierto número de improvisaciones teatrales y trabajo de mesa. Y en él se tejen toda esta serie de antecedentes, hilvanando no sólo la historia de vida de aquel gobernante tenido por sabio, sino también la compleja trama de referentes antropológicos y estéticos que hoy confluyen sincréticamente en el nombre de Nezahualcóyotl.

El espacio que nos proponen es una plataforma rectangular puesta al sesgo sobre el escenario, rodeada por dos lados con muros lisos que presentan un número simétrico de salidas. El color rojo intenso de las paredes y el piso y lo geométrico de la figura bien pueden evocar ciertas estructuras prehispánicas, favoreciendo además su comunicación con la platea. Y allá irán apareciendo los principales dioses del panteón azteca, alternando con figuras de la leyenda y la historia, que poco a poco se mezclarán con personajes anónimos del presente, alternando las texturas del carrizo al plástico y de la manta al hule espuma, en una mezcla que incluye los ropajes y los objetos, los tiempos y las referencias.

Generalmente un trabajo de este tipo naufraga en la falta de unidad, en la chabacanería escolarizada de los elementos en uso y en un didactismo ideológico que huele a rancio desde las primeras imágenes. Y he visto varios… aunque hace ya bastante tiempo que dejaron de ser convocados a escena por las nuevas generaciones. Lo sorprendente aquí es que nada de eso sucede y que tanto el equipo como la dirección se mueven ante el constante riesgo con una habilidad admirable. Tal vez el secreto de la sazón está en el equilibrio de los ingredientes y en la combinación ingeniosa de los componentes de siempre. Pero de hecho el resultado es capaz de interesar e incluso de conmover por momentos.
Sólo cinco actores cubren todos los roles: Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Roldán Ramírez, Natyeli Flores y Alam Sarmiento. Su trabajo resulta muy sólido aunque destaque la labor de la primera, tanto a nivel de presencia como de habilidad escénica. Indudablemente hay una clara complicidad con la dirección que permite un ritmo siempre creciente, una evocación a distintos géneros y una fluidez que hace al público constante partícipe del espectáculo, comprometiéndolo tanto en sus raíces culturales como en los hábitos cotidianos y en los lugares comunes de nuestra cultura urbana.
En definitiva, un trabajo valioso y divertido a la vez, pleno de hallazgos escénicos entre los que destacan una iluminación muy inteligente y un vestuario —a cargo de Edyta Rzewuska /Sebastián Romo— que saltea la ilustración para crear desde la originalidad tipos y formas hábiles y pertinentes. Una puerta discreta para repensarnos en nuestro conflictivo presente.

NEZAHUALCÓYOTL. texto Juliana Faesler en colaboración con la compañía. Dir. Juliana Faesler. Con Clarissa Malheiros, Diana Fidelia, Natyelli Flores, Roldán Ramírez y Alán Sarmiento. Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Centro Cultural Universitario, Insurgentes Sur 3000, 5622-7160. Jueves y viernes, 20:00; sábado, 19:00; domingo, 18:00 horas. Loc. $100; descuento del 50% con credencial de la UNAM y afiliados al Inaplen. Adolescentes y adultos. Duración aproximada 100 mins. Estacionamiento. (Sur)

Neza: poeta y ciudad a escena // Patricia Cordero

2007-06-15T02:25:00.001-07:00

Neza: poeta y ciudad a escena
Nezahualcóyotl fue el príncipe poeta de quien queda la nostalgia por un gobierno honesto

Por: Patricia Cordero
14/06/2007
www.nuevoexcelsior.com.mx

Nezahualcóyotl es más que el nombre de un municipio en la zona conurbada de la capital: fue el príncipe poeta de quien queda la nostalgia por un gobierno honesto que responda a las necesidades de sus ciudadanos.

Ésa es la premisa que guía la obra Nezahualcóyotl de Juliana Faesler –en temporada en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario hasta el 8 de julio–, una parte de la trilogía que la dramaturga prepara sobre personajes de la historia de México.

“Nezahualcóyotl es muchas cosas; hay gente que no sabe que fue un príncipe poeta, pero sí sabe que hay una ciudad que se llama como él”, dice Faesler.

La directora de obras teatrales como Divina justicia y Cielo de abajo deseaba mostrar al personaje que gobernó sin ningún interés.

“(Nezahualcóyotl) representa la posibilidad de un gobierno honesto, de un ser que gobierna una comunidad y se preocupa por ella. Eso nos pega muy duro ahora, porque ése es el tipo de gobernante que nos gustaría tener”, afirma.

Además de la visión histórica en torno de la vida y obra del gobernante del señorío de Texcoco, Faesler recrea en el escenario, con la compañía La Máquina de Teatro, la problemática actual de los habitantes de Ciudad Neza.

Así, dioses prehispánicos como Huitzilopochtli y su penacho creado con globos, conviven con un tzompantli de personajes cotidianos a bordo de un chimeco en las calles llenas de topes alrededor del municipio.

Faesler se adentró en Ciudad Neza, mejor conocida como Minezota, Neza York o Neza Town, para conocer de cerca la vida de sus habitantes y poder reflejarla de manera más natural en la obra.

“Los amigos nos llevaban a los antros, a las marisquerías; mucha gente nos contó su historia, esas anécdotas que se convierten en chistes locales que sólo la gente de Neza entiende”, cuenta.

La directora escénica admite que, durante esos primeros recorridos por el municipio, el equipo de trabajo no dejaba de sentir miedo, debido en parte a los prejuicios que tienen los que viven en la Ciudad de México respecto a las zonas conurbadas.

“Finalmente ves que las balaceras pueden ocurrir en la esquina de tu casa; toda la ciudad es igual en los niveles de violencia. En Neza tienen la particularidad de que la gente se conoce más, fue una ciudad que se forjó con mucha lucha”, considera.

Mediante esta puesta en escena, Faesler quiere decir al público que la historia no es sólo la que se presenta en libros, sino la que viven y cuentan los habitantes y se transmite por tradición oral de generación en generación.

“La historia de Nezahualcóyotl (el poeta) la conocemos a partir de los cronistas que la escribieron, y luego los historiadores e investigadores que la leyeron y nos la contaron. Incluso aquí han venido y nos han dicho que esto no es así o aquello fue de esa manera, y así es la historia”, dice.

La llamada Trilogía mexicana que Faesler prepara incluye la ópera alemana Moctezuma, intervenida con textos de Mario Bellatín, y la obra La Malinche, que planea estrenar el año entrante.

http://www.nuevoexcelsior.com.mx/main.aspx?pid=55&idioma=27&parent=99999999.5.¬icia=36339&ruta=Neza:%20poeta%20y%20ciudad%20a%20escena

Sobre Nezahualcóyotl // Un viaje en el tiempo

2007-06-08T11:15:00.000-07:00

Foto©andrealopez
Un viaje en el tiempo

Martha álvarez

El Universal

Viernes 01 de junio de 2007

Saltos de una época a otra caracterizan este vertiginoso "relato histórico" que retrata al rey poeta y el devenir de la cultura de México

Nezahualcóyotl fue el rey de Texcoco y un poeta. Para rendirle homenaje, La Máquina de Teatro bajo la dirección de Juliana Faesler presenta Nezahualcóyotl. Ecuación escénica de memoria y tiempo, creación colectiva que cree en la trascendencia histórica de nuestras raíces.
A decir de la directora, lo que se busca es "observar la historia desde un punto de vista desenfadado, saber que no le pertenece solamente al museo de antropología, que es nuestra, podemos reír, podemos llorar, esa es la finalidad del espectáculo, que tiene la intención clara de provocar".

Con algo de humor y un tono de crítica social se viaja en la relatividad del tiempo, en una hora y media se dan saltos temporales que buscan hacer referencia no sólo al personaje sino también al municipio o a la sala de conciertos que llevan su nombre.

"Es un relato histórico que tiene saltos. Son cinco actores y todos son Nezahualcóyotl, o todos son dioses. Es que es rarísimo, es complicado, pero al mismo tiempo muy sencillo. Por eso se llama ecuaciones", explica Faesler.

"Es una obra que te despierta la tristeza de lo perdido, porque sí es un mundo desaparecido pero también te da alegría saber que lo puedes recuperar, a mí me provoca melancolía", confiesa quien decidió alejarse de los grabados europeos acerca de la vida prehispánica para relacionarse con los códices.

Un largo proceso de investigación y documentación histórica y antropológica, además de "una extraña mezcla de materiales cotidianos con estética de códices" conforman este montaje, su texto, el vestuario y la escenografía que, según Faesler, fue "muy difícil de lograr".

"Abordamos el tema con mucho humor, nos reímos de nosotros como creadores y de la ironía que es la historia , del mundo, y de lo triste que es también nuestra vida cotidiana, y nuestro momento político", destaca la autora.

http://www.eluniversal.com.mx/guiaocio/357007.html

Nezahualcóyotl // Corta temporada.

2007-06-05T23:00:00.001-07:00

Foto©andrealopez

Con:

Clarissa Malheiros

Diana Fidelia

Roldán Ramírez

Natyeli Flores

Alam Sarmiento

Dirección: Juliana Faesler

!CORTA TEMPORADA!

Del 24 de mayo al 8 de julio

Jueves y viernes 20:00 hrs.; Sábados 19:00 hrs.; Domingos 18:00 hrs.

Teatro Juan Ruiz de Alarcón
Centro Cultural Universitario, UNAM.

Nezahualcóyotl

Nezahualcóyotl en la distancia // Por Berenice Alcántara Rojas

2007-06-05T22:09:00.000-07:00

Foto©andrealopez

Hace más de seiscientos años, cuando no existía esta inabarcable ciudad y las aguas casi todo lo cubrían, cuando el maíz, las aves y lospeces eran el sustento de la gente y los hombres se hacían la guerra para obtener riquezas de otros hombres, nació Acolmiztli Nezahualcóyotl. Hijo de Ixtlilxochitl, futuro soberano de Tezcoco, y de Matlalcihuatzin, princesa de Tacuba, de linaje chichimeca y tolteca, Nezahualcóyotl vino a la tierra en tiempos de angustia para su pueblo; pues, luego de prolongadas y desgastantes luchas, su padre perdió Tezcoco bajo el poder de Tezozomoc de Azcaptozalco y sus aliados; por lo que Nezahualcoyotl tuvo que huir de su ciudad junto con su famlia, presenciando más tarde la muerte de su padre. De Nezahualcóyotl, exaltado por sus contemporáneos, sus descendientes y más tarde por el Estado Mexicano, se sabe: que pasó su juventud en el exilio, sobreviviendo gracias a mil argucias a la persecución de los azcapotzalcas; que encontró refugio en la aún pobre México-Tenochtitlan, donde ayudó a la planificación de las obras hidráulicas que permitieron el crecimiento de esa ciudad, se formó como guerrero y se alió con los mexicas y los tlacopanecas de Tacuba para encabezar una nueva guerra contra Azcapotzalco gobernado, en ese entonces, por Maxtla hijo de Tezozomoc; que logró derrocar a Azcapotzalco, imponiendo un nuevo orden político, militar y económico en la cuenca de México, mismo que después se extendería por los cuatro rumbos del mundo; que gobernó más de cuarenta años su natal Tezcoco promoviendo el saber y dictando férreas leyes y, por supuesto, que gustaba de las flores, los cantos y los bailes y que, como forjador cantos, heredó a los cultivadores de esa tradición varias piezas en las que se interrogó sobre la fugacidad de la existencia, la veleidad de la divinidad, la trascendencia de las obras humanas y la posibilidad de la amistad entre los hombres.
Nezahualcóyotl, un hombre que vivió en un mundo distinto en ésta, “nuestra tierra”, un “nombre” como tantos otros que pueblan nuestros libros y nuestras calles, ha sido reivindicado por los que han creído posible hacerse de una identidad a partir del glorioso pasado de los “indios” muertos a la vez que se refunde en el hambre y la indiferencia a
su vivos descendientes y por aquellos que piensan que la colonización puede revertirse con sólo vestir plumas sobre la cabeza. Cuando, quizás,
lo único que nos hermane con ese “personaje” sea la “humanidad”, esa condición que, a pesar de todas las diversidades, se siente golpeada por
sus palabras en náhuatl que, desde una tumba de tinta y de papel, nos reiteran que ellos, los tezcocanos del siglo XV, al igual que nosotros “como una pintura nos iremos borrando”.
Berenice Alcántara Rojas (UNAM-IIH).

La Eva Futura // Por Boba Wilson

2007-06-05T21:57:00.001-07:00

LA EVA FUTURA
O FRANKENSTEIN O EL MODERNO PROMETEO
Entrevista a Juliana Faesler

BW: Juliana, ¿LA EVA FUTURA?
JF: La Eva Futura, sí.
BW: Es un nombre muy sugerente. ¿Quién es La Eva Futura?
JF: La única posibilidad, tal vez, de volver al paraíso. Se cierra el círculo.
BW: (Con malicia) ¿Y esa posibilidad es un robot?
JF: Sí. Yo creo que las máquinas acabarán por darnos lecciones de ética y moralidad. Acabarán por hacernos ver lo que somos. Tenemos demasiado tiempo de ser los hijos consentidos y berrinchudos de la creación, nos hace falta convivir con otro SER en un plano de igualdad.
BW: Falta que les demos ese lugar.
JF: Lo tendrán, es inútil resistirse al avance científico. La Iglesia ha desperdiciado un enorme capital político y económico resistiéndose sistemáticamente a todo y siempre acaba por perder las batallas. La receta es siempre opinar lo contrario de lo que opina la Iglesia en estos temas. (Al lector) Si no quieres tener que pedir disculpas algunos siglos más tarde. (Me mira) Los ejemplos son muchos.
BW: ¿Y la clonación?
JF: Otro tema escabroso. (Saca una foto de Félix y lo ve tiernamente.) Te puedo apostar que mi nuevo sobrino vivirá en un mundo donde la clonación ya no será el centro del debate. Como digo en mi obra los clones futuros como las máquinas inteligentes son sólo otra posibilidad de ser, Louise Brown, el primer bebé de probeta, que causó tanta conmoción en los setenta, tiene 24 años y probablemente va a la universidad y tiene novio, papás, familia numerosa y un gran número de médicos que la siguen de cerca.
BW: (Irónica) ¿El Futuro es el Paraíso?
JF: Nos encanta pensar lo contrario. Al ser humano le encanta imaginar apocalípticos desenlaces para nuestra era. Tal vez porque cargamos con la culpa de ser los eternos sobrevivientes del planeta, y serlo no es tan fácil si lo piensas. Hemos desalojado a varias especies por la fuerza. (Detrás de Juliana hay una calcomanía que reza “ser culturalmente correcto”.)
BW: Y las máquinas, ¿van a desalojarnos?
JF: Toda la literatura de ciencia ficción está transminada por esa hipótesis. Las máquinas nos tratarán fría y cruelmente como nosotros tratamos fría y cruelmente a las demás especies. Esta idea es fruto de La Culpa. (Aparte al lector) El que la hace la paga, ¿o no funcionamos así? (Retomando la conversación) Yo quiero creer en un futuro cercano de diversidad… (pausa dramática) de seres sabios, de armonía…
BW: (Aparte al lector) Qué cursi. (A Juliana) Perdón! Me perdí. Estábamos en… (busco en mis notas) ¡futuro cercano! ¿Qué tiene que ver todo esto con tu obra de teatro?
JF: (Me mira fríamente) Caray! Pues todo, ¿o no? Tú ya la viste.
BW: Sí, la vi.
JF: ¿Y qué viste?
BW: Una obra de teatro que me conmovió. (Al lector) Realmente no se por qué. (A Juliana) Creo también que la historia es entrañable y me pareció que las actrices están geniales.
JF: Pero ¿te hizo pensar?
BW: (Lo que pienso es que tengo que recuperar las riendas de la entrevista) ¿Te importa más que el espectador piense o que el espectador sienta?
JF: (Me mira fijamente) Me importan las dos cosas. Clarissa Malheiros y yo tenemos ya muchos años haciendo un teatro muy personal, que tiene que ver con nuestras historias y con nuestra historia de pareja. Ahora queremos hablar de la posibilidad de ver y entender al otro, pero AL OTRO, es decir a ese otro que no es como nosotras: los peces y lo extraño y fantástico que es nuestro mundo.
BW: Pero ¿te importa el SER que está sentado en la butaca, o no?
JF: Cuando estoy trabajando nunca olvido que, un día, cada butaca del teatro estará ocupada por un espectador. (Aseverando) Es más, yo hago teatro para el público. (La miro escéptica) Bueno, acepto que tampoco es tan fácil lo que hago. Muchas veces mis obras son crípticas y complejas. Pero quiero pensar que hay un publico críptico y complejo que va a venir corriendo a ver mi teatro.
BW: (Juliana se levanta vacía el cenicero y sirve café. Acepto) El pensar que tus obras despiertan el interés del público es ambicioso; es decir, partes de suponer que tienes algo que decir, para invitar a la gente a ver tu trabajo, ¿o no?
JF: (Al lector) No logro saber si Boba está conmigo o está en mi contra. (A Boba secamente) El que cualquiera piense que alguien va a pagarle por el trabajo que desempeña es bastante ambicioso también, ¿o no?
BW: No es lo mismo.
JF: Te invito a mi casa porque quiero compartir un momento contigo: eso es el teatro. Es casi de persona a persona, y es sólo en ese único momento de la representación en el que existe, y sí, jamás se repite. Jamás. (A su gato) Finalmente no sé si tengo algo que decir. Tengo claro que hay cosas que me inquietan y quiero compartir. (Me mira) Mi medio es el Teatro. Desde siempre.
BW: (Bebo rápidamente un poquito de café y ataco) Cerrando el círculo, ¿quién o qué es La Eva Futura?
JF: (Sonríe) Es una pequeña obra de ciencia ficción que escribí como la segunda parte de mi espectáculo Frankenstein o el moderno prometeo. Asumo que el Doctor y la Criatura sobrevivieron algunos siglos y que se encontraron en el futuro con una Máquina que, como la criatura, también ha sido rechazada, en su caso por sus propias características. Ella se llama Hadaly, que en persa quiere decir el ideal.
BW: ¿Siempre acabamos por tener miedo a la materialización del ideal?
JF: Nunca podemos ver con claridad las consecuencias de nuestros deseos. Cuando se materializa, el deseo nos sorprende. Quisiera terminar con una cita de la novela La Eva Futura, de Villiers D´Isle-Adam que tiene que ver con el teatro, la ciencia y todas las actividades humanas:
Nadie puede asegurar la verdadera naturaleza de lo que forja. Todo cuchillo puede llegara ser un puñal. Sólo el uso que se hace de las cosas es lo que las bautiza por segunda vez y las transfigura. La incertidumbre es lo que nos hace irresponsables y sin embargo hay que saber conservarla; sin ella ¿quién osaría crear cosa alguna?

Fedra y otras cosas // Por Boba Wilson

2007-06-05T21:49:00.000-07:00

Conversación con Ximena Escalante

Lunes 10 de noviembre 2003.
Escucho la entrevista que acabo de terminar con Ximena Escalante. Regreso el casete. Subo a mi estudio. La despido, la miro caminar. Veo cómo inspecciona su nuevo teléfono. Parece divertida, contenta.

I
Suena otra vez el clic de la grabadora.
XE: Se acabó el casete.
BW: Pues terminemos. Sólo deja que te saque unas fotos. Platícame algo.
Toma de nuevo su teléfono y lo vuelve a mirar extrañada.
XE: ¿Lo apagué?
BW; No. Está prendido.
XE: No me gusta que me saquen fotos. No me reconozco.
A mí tampoco me gusta que me saquen fotos, odio mi papada indiscreta. Le doy vueltas con mi cámara digital, nos reímos. Finalmente la libero. Se levanta aliviada, caminamos a la puerta. Se despide de mi gato gris.
XE: Yo quiero un gato gris.

II
BW: La obra Fedra y otras griegas te puso en la cima, es decir en primer plano. ¿Te esperabas el éxito de Fedra?
Ella sonríe, me mira, no sé si es un gesto de timidez o simplemente sonríe.
XE: No.
BW: ¿Eres humilde?
Carcajada. Ve el plato que le puse enfrente, lo levanta, le da una vuelta cuidadosa y lo vuelve a poner sobre la mesa.
XE: Qué bonito plato.
BW: Era de mi abuela.
Mira de nuevo el plato.
XE: Yo pasé largas temporadas en casa de mis abuelos. Crecí en una larga sobremesa en la que se hablaba de teatro. Mi abuelo, Álvaro Custodio, creó la Compañía Mexicana de Teatro Clásico. Realmente casi no vi en esa época: escuché, oí hablar de teatro.
Toma agua en vez de café.

III
XE: Decidí escribir para teatro porque me gusta el diálogo, la inmediatez, la acción, el instante. El contacto humano. Un texto dramático está vivo. Fedra tuvo que enfrentarse a los actores, al escenográfo, al director y confrontarse conmigo. El texto que escribí con la beca de jóvenes creadores no es el mismo que se estrenó en el Granero. Es más, me gustaría volver a publicarlo. Publicar el resultado de un año de trabajo entre todos, entre esta especie de familia que se crea alrededor de un proyecto. Los creadores de teatro somos una familia que intercambia posiciones; se construye cada vez de distinta manera. Hay un diálogo obligado entre nosotros que nos lleva a puntos de encuentro o de desencuentro. A veces hay logros, a veces retrocesos. Todo esto nos permite crecer de una u otra forma.
BW: ¿Quién es tu familia?
XE: Jorge Ballina es como mi hermano en esto. Para Salomé, mi nuevo proyecto que se va a estrenar en el INBA, adoptamos a Martín Acosta. Pero para Collete, que será producido por la UNAM, nos acercamos a Mauricio García Lozano. Las dos obras se estrenan el año que viene.
Traigo una jarra con agua.
XE: Tengo pánico de un nuevo estreno.
Toma el celular, lo abre y lo cierra.
BW: Pánico por las expectativas creadas por el primero.
Observa cómo se prende la luz del teléfono. Lo deja en la mesa.
XE: Al final todos andamos en una búsqueda permanente. Con Collette, que es una obra sobre Collette en el teatro, de teatro dentro del teatro, ando probando cosas…
La miro atenta.
Me sorprende descubrir en una lectura que es una comedia y al día siguiente la oigo como… ¡como un melodrama! Tiene una vida interior muy especial, es una obra que escribí envuelta en una crisis.
Suena el clic de la grabadora. Se acabaron las pilas. Las cambio. Ximena observa la acción.
XE: Todas mis obras las he escrito en medio de una crisis. Así son las cosas.
Pongo ”record-play”.
XE: Sí. Collette es muy rara. Me gusta, me gusta el juego, el reto. Ahora veo escenas que ya no me interesan y frases que salen sobrando. En la búsqueda, los resultados pueden ser afortunados o desafortunados.
Traigo galletas en una canasta.
Con el resultado de Fedra estoy contenta, el teatro es como una moneda en el aire, nunca sabes qué pasará.
Traigo tazas y azúcar.

IV
BW:¿Tus obsesiones?
XE: La religión y la mitología.
Ximena está sentada frente a una ventan. No veo su cara, veo sus manos a contra luz.
Tengo una gran fascinación por esos universos. La vida cotidiana, la vida de mi presente, narrada desde el presente, me aburre muchísimo. Necesito entender el aquí y ahora desde una imaginación separada, necesito alejarme y acercarme. Para ello recurro a los mitos. Llevo años estudiándolos.
Ximena es una sombra que me habla.
Ahora estoy inmersa en la vida de los santos.
Una sombra que se mueve.
Tal vez escriba algo que hable de eso.
Me levanto para hacer café.
BW: Fedra y otras griegas nace de…
XE: De mí misma, de mi presente. Hablo del sexo, de la familia y de ese mundo místico, mágico… de Dios. Durante la temporada vi cómo las mujeres vivían y entendían claramente el fenómeno. El fenómeno del mito. No necesitas saber quién es quién para sentir o entender. Puse el árbol genealógico de Fedra en el programa de mano. Quien sabe o quien no sabe vive algo diferente, pero el mito no está separado de nuestra realidad.

V
BW: ¿Tienes una agenda femenina?
XE: No.
Me quedo callada y prendo un cigarro.
XE: Mis personajes son mujeres, me interesa la mujer. Fedra es sobre la mujer, pero Collette y Salomé, no.
La luz ha cambiado. Ahora veo sus manos claramente, su anillo.

VI
BW:¿Te inscribes dentro de una corriente, generación, escuela o tendencia? ¿Te sientes mexicana?, ¿rescatas una nacionalidad?
XE: No.
Vuelve a su teléfono.
XE: Lo acabo de comprar, vengo de la tienda. ¿Está prendido?
Lo tomo, lo observo y se lo devuelvo.
BW: Sí.
XE: Soy un desastre con la tecnología.
Lo picotea curiosamente.
XE: Está prendido, ¿no?
BW: Ya no, lo apagaste.
XE: ¡Ah!
Lo prende, lo deja y voltea para mirarme.
XE: No me siento parte de una generación. No hay una generación de dramaturgos en este momento. En todo caso, formo parte de una generación “desgeneracionada”. Por edad estoy con Luis Mario Moncada, Elena Giochins, Jaime Chabeaud, Carmina Narro, Flavio Gonzáles Mello. Somos todos “treintones”. Pero no siento que ninguno de nosotros esté buscando lo mismo estéticamente. Ni poéticamente ni estilísticamente ni temáticamente. Somos, todos nosotros, herederos de “La muerte del personaje”, de la dramaturgia de la deconstrucción y del fin de la estructura. Ya no hay personaje y ya no hay estructura.
Busca algo en su bolsa.
Frente al vacío buscamos el tema. Cada uno ha buscado sus caminos personales.
Saca algo, parece un chocolate.
Hubo una generación inmediata, antes. Victo Hugo Rascón Banda, José Ramón Henríquez, Sabina Berman, entre otros. Ellos son más “una generación”: tienen una temática, una estructura, tienen cierta similitud.
Se come un nutrigrain sabor manzana.
¿Qué analogías podemos encontrar entre los que te mencioné como “treintones”? Nada.
Nosotros estamos en el proceso de definirnos como autores. Para un dramaturgo, cada obra es un paso nuevo, una decisión tomada: es una identidad asumida. Vas construyendo. “Mi generación” está muy en contacto con otras formas de dramaturgia, de escritura, en un proceso incesante de retroalimentación.
Sus manos se quedan quietas.
Los de arriba están más en sí mismos. Ellos ya encontraron un discurso propio y están concentrados en la construcción de ese discurso.

VI
BW: ¿Cómo sientes?, ¿lees la dramaturgia mexicana contemporánea?
Silencio largo.
XE: Siento que hay efervescencia. Hay un gran movimiento creativo. Todos están escribiendo mucho. Hay también muchos jóvenes luchando por ser representados, por ser leídos, por ser oídos. A mí me asusta esa nueva generación, los siento bélicos, tomando posturas, asumiendo una identidad autoral que siendo tan jóvenes es muy difícil tener.
BW: Y tú, ¿qué asumes?
XE: Yo asumo mi decisión de hacer teatro, de buscar el teatro. De expresar mi momento, de hablar del ser humano en este planeta, desde otro punto de vista. No soy explícita ni realista.

Alicia Sánchez // Por Boba Wilson

2007-06-05T21:43:00.000-07:00

ALICIA SÁNCHEZ
Sánchez
Cita: Metro Hidalgo. Destino: La antigua escuela La Esmeralda. Motivo: Conversar sobre “Los monólogos de A”, su nuevo proyecto.

Alicia camina rápido, y a las primeras preguntas me responde con otra cosa.// La premisa es crear, siempre a partir de sucesos contemporáneos que representen el presente que nos sostiene.// Mis obras piensan en el teatro porque sólo así la danza me parece interesante: pensar más allá, no sólo en el sofisticado uso del cuerpo.// Me dejo seducir por los sucesos más cotidianos, ésos que aun siendo insignificantes nos ponen a temblar el alma. Ahí me detengo, en esa sencillez.// No quiero aceptar el que la gente me diga “Alicia estás en tu mejor momento: tienes trabajo, becas, comisiones internacionales, Bellas Artes…”, yo quisiera más bien estar siempre en mi momento ¿o qué, habrá un día en que ya no será “mi momento”? Desde el punto de vista personal, no hablo de modas o corrientes artísticas… ni de estilos.// Mientras la voy oyendo y cachando sus frases con mi grabadora recuerdo algunos de los títulos de sus obras: “Entre tu yo y los otros”, “La mirada del sordo”, “Todas las horas del día”, “Las águilas no cazan moscas”, “Fuera de tiempo”, “Toca tu pulso”, “Mirando el vacío”… Alicia sigue hablando. Camina como alerta y como distraída al mismo tiempo.// Mi trabajo tiene que ver casi siempre con la ciudad, con personas más que con grandes temas o historias; mis trabajos son acerca de seres urbanos desprovistos a la vez de limitaciones geográficas o determinados.// A la ciudad la traes dentro, ya sea México, Londres o Nueva York.// Me obsesiona el silencio de la gente por la calle… Me obsesiona pensar en todo lo que les está pasando por la cabeza. Sé que si se me descubriera serían cosas extrañas.// Por ejemplo, acabo de conocer a una persona totalmente chilanga que me dijo el otro día: —Sí, la otra vez estuve en el manicomio. —¿Cómo que estuviste en el manicomio?. —Estaba loco. Me metí al metro y me di cuenta que sólo veía la mitad de la gente: de la cintura para bajo; de la cintura para arriba no los veía. Entonces supe que estaba mal de la cabeza. Me fui al manicomio. Salí otro día porque mi mamá fue a consulta, y ni me bañé ni nada, sólo le dije vámonos. Salí descalzo.// Lo conocí con unos amigos, nos presumía su camioneta, una combi que cortó por la mitad, quería tener un coche que no se pareciera a ninguno, anduve con él en su coche por la ciudad, nadie nos volteó a ver, su coche era sólo importante y diferente para él.// Yo sé que él está por ahí entre todos.// Llegamos al salón de ensayos, me quedo horas sólo mirando, oyendo… De vez en cuando Alicia me platica cosas o me explica.// Mi nuevo espectáculo está compuesto de cuatro vivencias desconcertadas; son como pedazos de una biografía sin tiempo, condenada a un raro estado de semiexistencia.// Son Los Monólogos de A.. de Alicia de Alberto, de Adán.// Él es un viajero que planea sus viajes pero nunca sale de su casa.// Aquí estamos pensando en todos aquellos que se obsesionan con la búsqueda de sí mismos a tal punto que dejan de estar, se desprenden de la realidad.// Ella es una ama de casa que vive sin preocupaciones y un día se suelta a llorar por horas, después todo sigue igual.// Desde el centro del salón me dice: hay otro personaje que es como una Alicia en el país de las maravillas en el instante en que despierta, su desconcierto… tal vez decida volver a dormir, hay mucha gente que prefiere su existencia en los sueños a su existencia en nuestra realidad.// Se me ha pasado el tiempo y me despido. Decido regresar caminando por Reforma. Avanzo oyendo el silencio de los que me rodean. En momentos dudo si salí realmente del salón de ensayos.
Boba Wilson

Entrevista a Luis Mario Moncada // por Boba Wilson

2007-06-05T21:40:00.000-07:00

Luis Mario Moncada
La dramaturgia: opción múltiple

Luis Mario Moncada entra al Teatro Ramiro Jiménez, lugar donde pronto se estrenará su obra Opción múltiple. Son las 5 p.m. Las actrices están en escena calentando: se oyen parlamentos entrelazados, encimados, se repiten frases. Sin ser visto, Luis Mario se sienta a mi lado. Es uno de esos momentos comunes en el proceso del trabajo teatral en que no pasa nada y pasa todo: hay mucho movimiento, todo el mundo está haciendo algo, aun si no es más que reflexionar en silencio. Casi puedo oír el pensamiento de Luis Mario…

El sueño, la aspiración de un dramaturgo es escribir obras y estrenarlas, y que de entre todas ellas haya una que logre trascender y convertirse en parte del repertorio de una generación, parte de la cultura teatral de su momento. (Veo cómo mira atentamente lo que hace José Caballero en el escenario.) Ése es el paso difícil: que una obra logre trascender el estreno único. La voracidad moderna por la novedad hace pensar a todo el mundo que una obra que ya fue estrenada no tiene valor y sólo sirve para ser tirada a la basura. Por su parte, publicar es una aspiración que tampoco te lleva a sitio alguno. Es muy difícil que a un director se le ocurra montar nueva dramaturgia mexicana que ya tuvo su ESTRENO. (El productor Carlos López lo descubre sentado en lo oscurito y lo saluda, le enseña las pruebas de diseño gráfico. Luis Mario las mira.) Tal vez Opción múltiple esté en el camino de lograrlo; ya la he visto como cuatro o cinco veces… (Al pensar esto, Luis Mario esboza una sonrisa silenciosa, como que ríe solo y mira sus zapatos.) En Hermosillo, por ejemplo, eso sí que fue un desastre. ¿Cómo se le ocurrió al director ponerse conceptual y vestir a las actrices todas diferentes?, ¿nunca entendió que todas son el mismo personaje? Y yo que siempre pensé que ésta era mi obra más sencilla, de convenciones más claras. ¡Es increíble cómo se puede pervertir un contenido de esa manera! (Se le escapa una carcajada que reprime inmediatamente cuando siente todas las miradas sobre él. Yo también lo miro.) Casi me muero. Además yo era el invitado especial y tuve que subir al escenario y decir unas palabras… decir algo medianamente inteligente frente a un público que te mira atónito, aburrido y con cara de que no entendió ni un carajo. Qué difícil, realmente. Ésos sí son los momentos de prueba. Bueno, en Puebla la hicieron de manera muy concreta con algunas resoluciones bien interesantes; el texto pasaba bien. (En el escenario se preparan para correr una escena. Arcelia Ramírez, Nailea Norvid, Susana Gonzáles, Pilar Padilla y Silvia Eugenia están en fila en el proscenio. Todas saludan desde ahí a Luis Mario; él les corresponde, con su cara de niño bueno y su gran sonrisa.) Escribir esta obra fue una experiencia muy agradable después de la catástrofe que fue El retablo embrujado con Iona Weesiberg sobre Valle Inclán: otra experiencia traumática. Aunque estoy convencido de que la crítica fue dogmática y poco sensible al experimento. A pesar de todo, Iona y yo queríamos volver a hacer algo juntos, pero algo divertido. Entonces, un día, surgieron cinco actrices recién egresadas de la facultad de literatura dramática y teatro; nos convocaron porque querían producir un proyecto para ellas que fuera como su examen final. Querían que yo escribiera una obra en la que todas tuvieran el mismo peso en escena. (Se frota la cara.) La solución evidente era que todas hicieran el mismo personaje, así no habría discusión sobre quién era la protagonista. Ya ni me acuerdo de dónde me vino este argumento, sé que lo había pensado alguna vez hace más de diez años. Fue un proceso amable. Cuando presenté el primer acto les propuse dos posibilidades para el segundo: seguir en la línea de hacer una comedia y acabar con un final feliz o ir buscando otra cosa, algo más dramático. (Se oyen las carcajadas de todos reaccionando a un gesto de Erica de la Llave durante el ensayo.) En ese momento todas votaron por el final feliz. Después surgió la vuelta de tuerca del final. (Se hace una pausa y Luis Mario se levanta, como para estirar las piernas, platica con la gente y, cuando se reanuda el trabajo, vuelve a sentarse.) He escrito mucho para grupos, he tenido largos procesos de trabajo de creación colectiva que me ayudan a ir descubriendo el proyecto: es un método de trabajo que te enriquece mucho como dramaturgo, auque al final no rescates ni una sola frase de lo que se dijo en las improvisaciones. El trabajo de proceso compartido me parece muy rico a partir de todas sus variables posibles. Me interesa sobre todo el trabajo horizontal en el que sí existe un diálogo creativo y las decisiones son compartidas. Puedo aceptar que los directores me muevan el orden de las escenas cuando aceptan mis planteamientos. Por ejemplo, en Alicia detrás de la pantalla, Alejandro Aislé modificó el orden de dos escenas. La verdad me sorprendí mucho cuando me lo dijo porque, según yo, la estructura era perfecta. Fui al ensayo y tuve que aceptar que funcionaba el cambio. Cuando la publiqué, lo hice con esa corrección. (Luis Mario se pone serio, mira al techo y hace un gesto como de resignación.) Pero por ejemplo, en Súperhéroes de la aldea global, Martín Acosta y Gabriel Pascal tomaron una decisión que a mi parecer fue desastrosa para la obra. Hasta publiqué una apostilla manifestando mi desacuerdo. La obra planteaba seis escenarios para que pudieran iniciarse las escenas una tras otra: una especie de zapping televisivo, como estar cambiando de canal continuamente; el público no debía tener tiempo de pensar, tenía que armar el rompecabezas hasta el final. Con la propuesta de Gabriel y Martín, el público pensó demasiado, había transiciones en cámara lenta y, así, el público terminaba agotado y sin entender realmente. Yo tenía un discurso muy claro y una propuesta definida en esa obra, y la verdad que todo se fue a la mierda. Era mi primera y única gran producción. En fin. (Silencio.) He trabajado con Martín en muchísimas cosas más desde entonces; ya ves, nunca se sabe qué pasará en este oficio. (Sonríe otra vez y mira la escena.) Si no siento una posibilidad de diálogo, me aparto. Cuando eso sucede, no hay más que dejar tu texto en esas otras manos y persignarte; siempre existe la posibilidad de que se conserve la integridad de tu trabajo. La dramaturgia es un arte complicado: hay obras que no son nada sin la puesta en escena y hay otras a las cuales la puesta en escena les resta. (Se estira en su butaca. Terminó el ensayo y José da notas a los actores.) La dramaturgia, para mí, es una función dentro del teatro; no tiene una categoría jerárquica, o no debería tenerla. La dramaturgia es estructura y no necesariamente tiene que decir de qué trata la obra; casi siempre lo hace pero no es necesariamente su función. En nuestra época, no se puede decir que la integridad de la obra está en el texto exclusivamente. Pero, finalmente, es un hecho, el dramaturgo por lo menos puede tener una última posibilidad de decir: “Aquí queda un texto listo para vivir otras tentativas”.